Viña del Mar, diciembre de 2022.
Dedicado a Marcia Orell García, mi maestra luz.
Al comenzar este mes, me di cuenta que, como un antiguo pedagogo, podía tomar tu mano y mostrarte las huellas y registros que ha dejado el cine, desde la perspectiva de mi espíritu.
Si ocupamos sencillas guías para viajar o visitar un museo, ¿por qué no hacerlo para descender en la caverna laberíntica del cine?
Y como podía hacerlo, simplemente lo hice, y ahora quiero regalarte el fruto de este esfuerzo, mientras la puerta de lo humano se abre en el cielo
El cine, esta disciplina que ha revolucionado e integrado, artes visuales y dramáticas, música, literatura y desarrollo tecnológico, está, en gran parte conservado en los catálogos de www.archive.org , www.youtube.com y otros portales, lo que me permite unir estas palabras a las mismísimas obras audiovisuales.
Como Virgilio, te acompaño desde mi rol de poeta, sujeto a la certeza de que sólo podré presentarte algunas de las múltiples líneas que surgen de este tema.
En el principio estuvo el sur y un mimo genial
Fairbanks, Pickford, Chaplin y Griffith, hacia 1919
La naciente industria del espectáculo audiovisual encontró en el norteamericano David Wark Griffith, 1875-1948, y sus más de 500 películas una vía para crear cintas técnicamente innovadoras que atrajeron a las salas de proyección a millones de personas.
En su contexto de sureño impregnado de racismo, su tema preferido fue la guerra civil y sus consecuencias.
A través del oficio y la experiencia fue descubriendo técnicas narrativas que con el tiempo se hicieron de uso común: el primer plano, el flashback, el montaje alterno y los fundidos. La síntesis de todo ello fue la monumental El nacimiento de una nación, de 1915, una cinta de duración inusitada, más de tres horas, que batió todos los récords en taquilla y marcó un hito en la historia del cine.
El ”primer plano”, es el pequeño fragmento de una película que presenta con detalle personas u objetos enfocados desde muy cerca.
El “flashback” consiste en intercalar en el desarrollo lineal de la acción, secuencias referidas al pasado.
El “montaje alterno” consiste en relatar dos o más escenas simultáneamente alternando los planos. La sucesión de hechos de cada escena se rueda por separado y se entrelazan en el proceso de edición de la película.
El “fundido” es un tipo de transición audiovisual por la cual la imagen y/o el sonido van perdiendo intensidad hasta quedar únicamente el color de fondo que se haya elegido o el silencio en caso del audio
A su fallecimiento, Orson Welles dijo de él: «Yo le admiraba, le veneraba, pero él no necesitaba un discípulo. Necesitaba trabajo. Nunca he odiado realmente a Hollywood a no ser por el trato que dispensó a David Wark Griffith. Ninguna ciudad, ninguna profesión ni forma de arte le deben tanto a un solo hombre».
Sus obras más afamadas son “El nacimiento de una nación”, de 1915, originalmente denominada “The clansman”; “Intolerance”, que filmó en 1916 para defenderse de las críticas por su racismo y “Abraham Lincoln”, de 1930.
Por otro lado, en 1909, un mimo inglés de humilde origen comenzó a itinerar por Norteamérica.
Su personaje del vagabundo nació en 1914, con ocasión de la película “Extraños dilemas de Mabel”.
Chaplin lo recordó con estas palabras: “No tenía idea sobre qué maquillaje ponerme. No me gustaba mi personaje como reportero [en Carlitos periodista]. Sin embargo, en el camino al guardarropa pensé en usar pantalones bombachudos, grandes zapatos, un bastón y un sombrero hongo. Quería que todo fuera contradictorio: los pantalones holgados, la chaqueta estrecha, el sombrero pequeño y los zapatos anchos. Estaba indeciso entre parecer joven o mayor, pero recordando que Sennett quería que pareciera una persona de mucha más edad, agregué un pequeño bigote que, pensé, agregaría más edad sin ocultar mi expresión. No tenía ninguna idea del personaje, pero tan pronto estuve preparado, el maquillaje y las ropas me hicieron sentir el personaje, comencé a conocerlo y cuando llegué al escenario ya había nacido por completo”
Desde 1918, Chaplin asumió la dirección de sus propias películas, siempre comprometidas con los más débiles y denunciando las injusticias sociales. Además de dirigir y actuar, solía componer la música de sus cintas, por ejemplo la canción “Sonrisa” creada para “Tiempos Modernos”, de 1936, y “Ésta es mi canción”, para “La condesa de Hong Kong”, de 1962.
Sus cintas más celebradas son "La quimera de oro", de 1925, "Luces de la ciudad" , de 1931, "Tiempos Modernos" , de 1936, “ El Gran Dictador", de 1940 y “Candilejas”, de 1952. Sus técnicas al momento de filmar incluían el "slapstick", es decir la bufonada con golpes y la pantomima.
Tras la Segunda Guerra Mundial fue acusado de apoyar el comunismo y se refugió en Suiza.
Siguió creando en el exilio, excepcionalmente volvió a los Estados Unidos para recibir un Oscar honorífico en 1972 , recibiendo un aplauso de 12 minutos por parte de los asistentes.
Falleció en Suiza en 1972.
Chaplin, junto a las estrellas del cine mudo Douglas Fairbanks, “El Rey de Hollywood” y Mary Pickford,”La Novia de América”, dieron vida en 1919 a “United Artists”, productora concebida para amparar su propia libertad creativa y sus intereses económicos.
“El nacimiento de una nación”
https://archive.org/details/TheBirthOfANation19151080p
“Intolerancia”
https://archive.org/details/Intolerance
“Abraham Lincoln”
https://archive.org/details/abraham_lincoln
“The Kid”
https://archive.org/details/the_kid_1921_charliechaplin
“La quimera de oro”, “The Gold Rush”
https://archive.org/details/the-gold-rush-1925
“Luces de la ciudad”, “City Lights”
https://archive.org/details/city-lights-1931
“Tiempos Modernos”
https://archive.org/details/modern-times-1936
“El Gran Dictador”
https://archive.org/details/el-gran-dictador.-720.bdrip.cast
“Lightlimes” , “Candilejas”
https://web.facebook.com/Quandoalcinemasisognava/videos/limelight-is-a-1952-american-film-written-directed-and-starring-charlie-chaplin/504185344465994/?_rdc=1&_rdr
“La Condesa de Hong Kong”
https://www.dailymotion.com/video/x877ksh
El hombre común despeja la hierba y nos habla.
Esta visión parte desde la poesía, concretamente desde las “Hojas de Hierba” de Walt Whitman y su decisión de poner en el centro al ser humano moderno, al ciudadano que transformado en pueblo asume los gobiernos por medio de la democracia.
Walt escribe desde el lugar de ciudadano- periodista y para otros ciudadanos a los que ama y respeta.
Mira como nos habla en un recodo del camino:
PARA TI (To you) Desconocido, si al pasar, quieres hablarme, ¿por qué no has de hacerlo? Y, ¿por qué no te hablaría yo? YO CANTO PARA MÍ MISMO (One’sself I sing) Yo canto para mí, una simple y aislada persona, Sin embargo pronuncio la palabra democracia, la palabra Masa. Canto al organismo humano de pies a cabeza, No son la fisonomía sola ni solo el cerebro los motivos únicos de mi Musa, Yo digo que la Forma completa es la digna, Y canto a la mujer lo mismo que canto al Macho. La Vida inmensa en pasión, pulso, poder, La vida feliz, formada en la más libre acción, bajo el imperio de las leyes divinas Canto al hombre Moderno.
Sí, su voz era la del hombre común, por ello se negó a incluir los vocablos “Walt Whitman” en sus libros.
Frank Capra, ingeniero e inmigrante siciliano y sus guionistas, fundamentalmente Robert Riskin, tomaron una y otra vez esa tema y llevaron al hombre y a la mujer común a convertirse en rey de las finanzas o senador, transformaron a una simple vendedora de flores en una gran dama y dejaron que la hija consentida de un millonario, tomara en un bus el lugar y los sentimientos de una simple chica que se enamora, por supuesto, de un periodista, el epítome del ciudadano hombre común. Me estoy refiriendo a Mr. Deeds go to Town; Mr. Smith go to Washington; Dama por un día, Vive como quieras y Sucedió una noche.
Dando un giro de tuerca a su visión del hombre común, en “It’s a Wonderful World”, el director nos muestra los pequeños heroísmos que colman la vida de un buen hombre, salvar a un niño que ha caído al agua; postergar una boda; hacer un trabajo de servicio público y en “Juan Nadie” nos asombra con el poder político del ser humano común y nos muestra el enfrentamiento comunicacional entre la periodista honesta y los propietarios de los grandes medios de comunicación, brazo cultural del gran capital.
En 1941, Capra y Riskin se pelearon dramáticamente, al punto que el director no asistió al funeral de Riskin en 1955.
Llevado por su ambición ético-estética, tal vez con el secreto anhelo de impedir la Segunda Guerra Mundial, Capra nos mostró en “Horizontes perdidos”, una sociedad utópica emplazada en el Himalaya, en que los seres humanos viven en paz y armonía.
“Dama por un día”
https://www.youtube.com/watch?v=u28JInjHol8
“It happening one night”, “Sucedió una noche”
https://archive.org/details/horse-ed
“Mr. Deeds go to Town”, “El secreto de vivir”
https://www.youtube.com/watch?v=G3WP58NDSy8
“Mr. Smith go to Washington”, “Caballero sin Espada”
https://www.gloria.tv/post/sQppEYdZzJQj3swTBRrE8VyDJ
Llevado por su ambición ético-estética, tal vez con el secreto anhelo de impedir la Segunda Guerra Mundial, Capra nos mostró en “Horizontes perdidos”, una sociedad utópica emplazada en el Himalaya, en que los seres humanos viven en paz y armonía.
“Dama por un día”
https://www.youtube.com/watch?v=u28JInjHol8
“It happening one night”, “Sucedió una noche”
https://archive.org/details/horse-ed
“Mr. Deeds go to Town”, “El secreto de vivir”
https://www.youtube.com/watch?v=G3WP58NDSy8
“Mr. Smith go to Washington”, “Caballero sin Espada”
https://www.gloria.tv/post/sQppEYdZzJQj3swTBRrE8VyDJ
"Meet Jon Doe", "Juan Nadie"
https://www.youtube.com/watch?v=PrpsJNTa274
“Lost Horizon”, “Horizontes Perdidos”
https://gloria.tv/post/rkjAQgvGfJop3TP7ad3XvytdB
En Odesa, el coche de un bebé irrumpe con su nueva estética en el momento más libertario de la revolución soviética.
Serguéi Eisenstein aprovechó los años libertarios de la primera década de la revolución soviética, para expresar en el Acorazado Potemkin, de 1925, toda la fuerza del hombre común.
Lo hace incorporando innovaciones de filmación y montaje que le permiten crear la célebre escena de la matanza en la gran escala de Odesa, que hasta ahora maravilla a los cineastas.
Se ha dicho que en el cine clásico norteamericano previo a los años 70, una película normal, de 110 minutos, tenía entre 300 y 700 planos. La duración media de cada uno de esos planos era de entre 22 y 9 segundos.
Antes de la llegada de las herramientas digitales de edición de las que disfrutamos ahora, cada corte debía ser tratado manualmente, cada pieza del montaje perfectamente estudiada antes de ser incorporada al producto final.
Pues bien, el Acorazado tiene más de 1.100 planos en 80 minutos. Sólo en los minutos de la escalera se concentraron 170 de estos cortes dando forma al referente más célebre de la historia del montaje cinematográfico, en que la escena se relata visualmente alternando la linealidad con la yuxtaposición de imágenes.
Eisenstein nutre su estética con su opción gay, tornando apolíneos a los marineros alzados y exaltando visualmente el poder de sus cuerpos, en contraposición a los oficiales zaristas, cuyos rostros retorcidos expresan los sombrío de su causa.
Pero pronto, Eisenstein cayó en desgracia ante el régimen de Stalin. Salvó su vida gracias a su fama internacional, pero no volvió a filmar en 20 años.
“Acorazado Potemkin”, Eisenstein
https://www.youtube.com/watch?v=BEvaNIzuGAg
Fritz Lang, “hemos decidido que eres ario”
Fritz Lang
En los comienzos del siglo XX la cultura de habla alemana logró altas cumbres con el movimiento del “Jinete Azul” y el expresionismo en la pintura; la filosofía de Husserl y Heidegger; la literatura de Herman Hesse, Thomas Mann y Stephen Zweig; el gran salto de la psiquiatría a partir de Freud, la arquitectura y el diseño de la Bauhaus, la música de Richard Strauss y Gustav Mahler; la relatividad y la física cuántica.
En el cine, el correlato se denomina “Expresionismo Alemán”, que conmovido por el infierno de la primera guerra mundial devela los demonios interiores y la subjetividad aterrorizada del ser humano.
El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna.
El más connotado de los expresionistas alemanes es Fritz Lang, que creó en Alemania, "Metropolis", de 1927 , "M. el vampiro de Düseldorf", de 1931 y "El testamento del Dr. Mabuse", de 1932.
Al finalizar "El testamento del Dr. Mabuse" , recibió la propuesta d Joseph Goebbels de hacerse cargo de la dirección de los estudios “Universum Film AG”, conocidos como UFA , pero Lang, que era del todo contrario al nazismo le expresó a Goebbels que aunque su madre era católica conversa, ella era realmente judía, a lo que Goebbels retrucó "Nosotros decidimos quién es ario y quién no" y esa misma noche , Lang huyó hacia Francia.
Asentado en los Estados Unidos, rodó Furia, de 1936, Sólo se vive una vez, de 1937, La mujer del cuadro , de 1944, Perversidad, de 1945, Secreto tras la puerta, de 1947, Encubridora, de 1952, Los sobornados , de 1953, Deseos humanos, de 1954, Los contrabandistas de Moonfleet , de 1955, Más allá de la duda , de 1956 y Mientras Nueva York duerme, de 1956.
En la República Federal Alemana, filmó El tigre de Esnapur , de 1958, La tumba india , de 1959, y Los crímenes del Dr. Mabuse , de 1960, su última película.
Fritz Lang, expresó sobre Metropolis, su obra maestra; “Vine a América por primera vez brevemente en 1924, y me hizo una gran impresión. La primera tarde cuando llegamos, éramos todavía enemigos extranjeros, así que no podíamos dejar el barco. Fue atracado en algún lugar de West Side de New York. Miré las calles, las luces brillantes y altos edificios, allí concebí Metropolis.”
La concepción de la película, que une el materialismo histórico y el simbolismo bíblico en una ciudad futurista del año 2000, divida entre una minoría poderosa y sofisticada y la población obrera a cargo de manejar las máquinas.
“Metropolis”, Lang
https://www.youtube.com/watch?v=PFE-dBHbUp8
“ M, el vampiro de Düsseldorf”, Lang
https://www.youtube.com/watch?v=r7GLsRs0SBs
“El testamento del Dr. Mabuse”, Lang (Con subtítulos en inglés y en español)
https://archive.org/details/the-testament-of-dr-mabuse
https://www.youtube.com/watch?v=qQHVcgHdyvY
Los emigrantes hacen florecer el bosque sagrado
El gigante Orson Welles, se enfrenta a los formidables medios de prensa que empujan hacia la guerra.
En vísperas de la Segunda Guerra Mundial y con ocasión del “Halloween” de 1938, Welles creó “La Guerra de los Mundos” un programa de radio en Nueva York, que reporteó la invasión del planeta, causando pánico en la audiencia.
En 1941, volvió a embestir contra el poder de la prensa, emprendiendo su primera y más fabulosa película “El ciudadano Kane”, inspirada en la vida del magnate propietario de periódicos William Randolph Hearst, que con la fuerza de sus medios de comunicación impulsó la invasión de Cuba en 1898 y procuró detener la revolución mexicana.
En su raíz, esta obra que Welles comenzó a filmar con sólo 22 años, muestra a un niño corrompido por el dinero y el poder que en su lecho de muerte sólo quiere retornar a su infancia de nieve y campo, simbolizada por el nombre de su trineo, Rosebud. Un ser humano, que de no haber sido tan rico, habría llegado a ser un buen hombre.
Primerizo en el rol de director, Welles vió cuarenta veces “La Diligencia”, de John Ford, acompañado de técnicos a los que consultaba la forma en que se obtuvieron las imágenes y los efectos logrados en pantalla.
Al partir desde 0 en la industria, Welles incorporó en su película todos los adelantos de la época, entre ellos, la profundidad de campo, logrando que tanto el primer plano como el fondo aparezcan nítidamente enfocados; el uso de planos contrapicados; el recurso intensivo de los flashbacks y el movimiento de la cámara.
La película fue un fracaso de taquilla, pero se volvió un ícono para los técnicos del cine y determinó una nueva manera de filmar.
En 1946, tachado de comunista, debió dejar los Estados Unidos, radicándose en Europa, donde se sumergió en la riqueza de Shakespeare y filmó “Macbeth”, de 1948, “Otelo”, de 1952 y “Mr. Arkadin”, de 1955.
Regresó a Estados Unidos en 1958 para filmar “Touch of Evil”, que cuenta en su inicio con el plano secuencia más famoso del cine, dura tres minutos y tardó quince días en filmarse.
El plano secuencia es una técnica de planificación de rodaje que consiste en la realización de una toma sin cortes durante un período extendido de tiempo.
Un paso adelante del neorrealismo lo dio Federico Fellini, dibujante, hombre de radio y colaborador de Rosellini, quien comenzó a filmar películas imbuidas de fantasía, sueños, deslumbrante fotografía , profundo amor por los rostros y constante juego con el peso de la historia y la religiosidad italiana.
Así, “La Dolce Vita”, de 1960, comienza con dos helicópteros que vuelan transportando a un sofisticado, elegante y seductor periodista sobre las ruinas de las termas de Caracalla, una cancha de fútbol, niños que corren, obreros, una azotea con muchachas que toman el sol, la Basílica de San Pedro y los modernos edificios de Roma, siempre cargando una estatua de Jesús con sus brazos extendidos. Los helicópteros parecen detenerse sobre San Pedro, mientras campanadas reciben la figura del Maestro galileo.
Fellini, tras considerar que había filmado 7 películas y media, a la siguiente la llamó Otto e mezzo , de 1963, sugiriendo desde ya su connotación autorreferente, abordando el tema de la creatividad y la crisis existencial.
“La dolce vita”
https://archive.org/details/la-dolce-vita-1960-criterion-1080p-blu-ray-x-265-10bit-tigole
https://www.lasteles.com/blog/la-dolce-vita/ (doblada al castellano)
“Otto e mezzo”
https://archive.org/details/eight-and-a-half-1963_202012
“Amarcord”
https://www.youtube.com/watch?v=-Wxpq8YrOO4
Dos dibujantes y un poeta, proyectan las realidades de la mente.
Federico Fellini y Alfred Hitchcock, partiendo de sus competencias como dibujantes, lograron proyectar en las salas de cine, obras visuales en que la luz, los colores y la dinámica de la imágenes, notoriamente preexistieron en la mente y en los cuadernos de dibujo.
De esa manera, lograron divorciarse de lo que observamos y exhibir nuestras fantasías, sueños y miedos
El poeta aristocrático Jean Cocteau con “La Bella y La Bestia” y “Orpheus”, apoyándose en el mito logró aventurarse en los laberintos de la psiquis y el misterio de la eternidad.
“Vértigo”
https://archive.org/details/vertigo-1958
“Rebeca”
https://www.youtube.com/watch?v=PAKfTvLx1oc
“La bella y la bestia”
https://web.facebook.com/PiensaFlix/videos/la-bella-y-la-bestia-la-belle-et-la-b%C3%AAte-1946-pel%C3%ADcula-completa-castellano/464151761045168/?_rdc=1&_rdr
“Orpheus”
https://www.youtube.com/watch?v=1IZIwV7c3os
Akira Kirosawa, el Shakespeare del Siglo XX.
Nacido en 1910, tal como Fellini y Hitchcock, llegó al cine desde el dibujo.
Su trabajo se desarrolló en paralelo al neorrealismo italiano y sorprendentemente continuó hasta 1990.
Sobrevivió a la segunda guerra mundial aportando con su técnica a la creación de películas destinadas a la propaganda de guerra.
Su obra acompañó la reconstrucción de Japón con una serie de celebradas cintas que le valieron amplio prestigio internacional, al punto que Steven Spielberg lo describió como el Shakespeare del cine contemporáneo, probablemente por su genialidad, la vastedad de su obra y su talento para llevar a la pantalla los dramas del vate británico.
Kurosawa poseía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló desde los años cincuenta, lo que le da un sello personal a su obra.
Solía usar lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones. Asimismo, utilizaba varias cámaras al mismo tiempo lo que le permitía filmar un mismo plano desde distinto ángulos.
Otro signo distintivo del estilo de Kurosawa- también muy shakespereano- era su incorporación de los elementos meteorológicos en sus películas, como el aguacero en la escena inicial de Rashomōn y en la batalla final de Los siete samurais , el calor intenso en Nora Inu (El perro rabioso), la ventisca helada en Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru (Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre).
“Trono de sangre” (Macbeth)
https://archive.org/details/ThroneOfBlood
“Ran” (Rey Lear)
https://archive.org/details/NovamovFlashVideosForAll_20150216
Satyajit Ray, el genio de Bengala.
El nuevo impulso de la postguerra afloró también la India, a través del talento de Satyajit Ray, 1921-1922, cineasta, diseñador y músico, perteneciente a un linaje de intelectuales, que mostró a la India emergiendo de su cultura de castas a través de una trilogía de películas centradas en la vida de Apu, su protagonista.
La trilogía está conformada por “Pather Panchali”, “La canción del Camino”; “Aparajito” ,“El invencible” y “Apun Sansar”, “El mundo de Apu”.
Si bien se inspira en el neorrealismo italiano, a partir del impacto que tuvo para Satyajit “El ladrón de bicicletas”, esta creación audiovisual logra enriquecer la constatación del hecho social con imágenes, textos y música de singular poesía.
Satyajit Ray, formado en el humanismo de Rabindranath Tagore, con inmensa paciencia y vocación, logró concretar esta obra, entre 1952 y 1960, gracias al inmenso éxito de “Pather Panchali”.
La trilogía fue el rostro de la India en el imaginario de los ciudadanos del mundo y emociona por su fotografía, sus actuaciones y la aproximación a una cultura tan diversa. Adentrarse en su mundo es uno de los grandes regalos del cine.
La India, con su cultura milenaria ha sabido desplegar su propio desarrollo cinematográfico.
“Pather Panchali”
https://www.dailymotion.com/video/x6j4i9n
« Aparajito »
https://archive.org/details/aparajito-apu-trilogy-pt.-2
Subtitulada en inglés
« Apu sansar »
https://www.youtube.com/watch?v=BqeDBIiCAFg
Subtitulada en inglés
China, entre “Despertar para salvar el país” y la nostalgia.
En Shanghái, , ubicada en el delta del río Yangtsé, importante polo industrial de China, desde comienzos del siglo XX comenzó a florecer la industria cinematográfica, aplicada exclusivamente a la entretención comercial.
Pero la invasión japonesa de 1931, que amenazó la existencia misma de esta cultura milenaria, llevó a partido comunista chino a lanzar su política de “despertar para salvar el país” sustituyendo los temas de simple esparcimiento por el anti imperialismo, la lucha de clases y las condiciones de vida de los trabajadores.
En ese período Wu Yonggang creó “La Diosa”, de 1934, la historia de una prostituta sin nombre - siempre volvemos a Walt Whitman- una mujer que camina las calles iluminadas de neón tratando de llevar a casa, cada noche, suficiente dinero para alimentarse y alimentar a su hijo. La cinta fue protagonizada por Ruan Lingyu, estrella del cine comercial, lo que garantizó una gran afluencia de público.
Dentro de las muchas películas que se filmaron apoyando la revolución que lideró Mao, se encuentra “Hijos de la tormenta”, en occidente “Children of troubled times”, de 1935, dirigida por Yuan Muzhi, que por su talento como actor era conocido como “el hombre de las mil caras”. El tema musical de la cinta , la “Marcha de los voluntarios”, más tarde se convirtió en el himno musical de la República Popular China.
En 1948, el contraste surgió de la mano de director Fei Mu con “Primavera en un pueblo pequeño”, que presenta poéticamente la nostalgia por el pasado y la felicidad de la vida rural, realizada poco antes de que el bando nacionalista se viera forzado a abandonar china continental. Hasta ahora es considerada una de las grandes películas de China y el mundo.
En 1961 se estrenó “El destacamento rojo de las mujeres” , de Xie Jin, una película bélica de la guerra civil, inspirada en un batallón de mujeres que existió realmente. Paradójicamente, años después, el director fue enviado a realizar trabajos forzados, acusado de ser «humanista burgués». Fue “rehabilitado” en 1975.
En 1965, la actriz y directora feminista Wang Ping, recibió el encargo del gobierno de realizar “El Este es rojo” para celebrar el decimoquinto aniversario de la Revolución China y expresar audiovisualmente la historia moderna del país desde la perspectiva del partido comunista.
En 1971, Jiang Qing, actriz y cuarta esposa de Mao, protagonizó en plena revolución cultural una nueva versión de “El destacamento rojo de mujeres”, de 1961, esa vez convertida en un ballet audiovisual.
Desde el término de la revolución cultural y sobre todo en la década de los noventa hubo un resurgir del cine chino.
Títulos significativos son “Días de sol” , de Jiang Wen, 1994. Un hombre adulto en los '90 recuerda sus andanzas de adolescente, junto a sus amigos, en los tiempos de la Revolución Cultural.
En "Oiu Ju, una mujer china" ", de Zhang Yimou, 1992, una mujer embarazada enfrenta la burocracia de la justicia china debido a un simple reclamo y en su cinta "Ni uno menos" , de 1999, cuenta la historia de una joven de 13 años , Wei Minzhi, que debe hacerse cargo de una pequeña escuela rural, mientras el maestro oficial se ausenta durante un mes para cuidar a su madre enferma.
La cinta "Adios a mi concubina", de Chen Kaige, 1993, presenta la historia china desde 1900 hasta 1977 es recorrida a través de la vida de dos amigos entrenados desde niños como actores de la Ópera de Pekin, uno en roles masculinos (rol jing) y el otro en roles femeninos (rol dan) que la lleva a adoptar una identidad transgénero.
"La cometa azul", de Tian Zhuangzhuang, 1993, presenta tres momentos históricos de China, la Campaña de las Cien Flores (1956-1957), el Gran Salto Adelante (1958-1961) y la Revolución Cultural (1966-1976), vistos a través de los ojos de un niño y las tres figuras paternas sucesivas en su vida.
“La Diosa”
https://archive.org/details/thegoddess
“Hijos de la tormenta”, “Children of troubled times”
https://archive.org/details/childrenoftroubledtimes
“Primavera en un pueblo pequeño”
https://www.youtube.com/watch?v=T59AnZ6eabI
“El destacamento rojo de mujeres”
https://www.youtube.com/watch?v=8-Y8ABYM_4w
“El este es rojo”
https://archive.org/details/The_East_is_Red
“Qiu Ju, una mujer china”,
https://asian-movies-online.com/comedy/the-story-of-qiu-ju
“Adiós a mi concubina”
https://www.youtube.com/watch?v=No4ALLfud-c
“La cometa azul”
https://www.fulltv.com.ar/peliculas/la-cometa-azul.html
“Ni uno menos”
https://sw-ke.facebook.com/MVConectadosEDU/videos/pel%C3%ADcula-ni-uno-menossubtitulado-en-espa%C3%B1ol/2549735795071149/
Pier Paolo Pasolini y Bernardo Bertolucci, llevan el neorrealismo italiano a un grado de mayor profundidad estética.
Bertolucci
El impulso del neorrealismo, abrió paso a directores que llevaron al relato audiovisual, la radicalización de la dialéctica política y cultural italiana y mundial durante los años 60 y 70.
Pier Paolo Pasolini, un hombre dotado habilidades artísticas en múltiples disciplinas como poesía, dramaturgia y pintura, cultivó su intelecto en la Universidad de Bolonia.
Desde 1947 manifestó su simpatía por el partido comunista italiano y sin embargo en 1949 fue expulsado de su filas a causa de su homosexualidad.
Sus películas, suelen visitar la mitología y la literatura clásica, abordando sus connotaciones sexuales.
En “El Evangelio según San Mateo” rescató a Jesús como un redentor de los pobres, volcando su cámara hacia pueblos italianos que en pleno siglo XX mantenían la arquitectura y la sencillez de la Galilea del siglo I.
Bernardo Bartolucci, cineasta y escritor, ayudante de Pasolini en Accattone, emprendió un cine militante, aplicando el materialismo histórico al cine.
En “El conformista”, de 1970, basado en una novela de Alberto Moravia, nos presenta una reseña del fascismo y de la manera en que seduce y castiga a sus colaboradores.
En “El último tango en Paris”, de 1972, hace explícito que el romance entre personas de distintas clases sociales sólo puede concretarse en un espacio desarraigado de la sociedad.
En “Novecento”, de 1976, hace una semblanza de la organización campesina y su choque con el fascismo.
En “El último emperador”, de 1982, nos muestra como una persona es víctima de su contexto histórico y de su posición en la sociedad.
“Accatonne”, Pasolini
https://www.dailymotion.com/video/x28nqfl
“Decameron”, Pasolini
https://www.youtube.com/watch?v=_mwtY4ZK5zA
“El Evangelio según san Mateo”, Pasolini
https://www.youtube.com/watch?v=T8CCZUNf8a8
“Medea”, Pasolini
https://www.youtube.com/watch?v=uZYy493Hrd8
“El último tango en París”, Bertolucci
https://archive.org/details/last_tango_in_paris_1972___587b068215677
“Novecento”, Bertolucci
Primera Parte
https://gloria.tv/post/4tfhVDRBL69V2bqVWSNbieX3B
Segunda Parte
https://gloria.tv/post/JLGki8u4T8wK1tDg49D2vKQbP
De la ”nouvelle vague” francesa al Nuevo Cine Latinoamericano.
Si el neorrealismo italiano surgió sobre la base de las instalaciones de “Cinecittá”, la nueva ola francesa emerge desde la tinta y las reflexiones de una revista mítica para la filmografía, a saber, “Cahiers du Cinéma”.
Sus colaboradores, fundamentalmente cinéfilos y guionistas, emprendieron una crítica feroz en contra del cine industrial, enfocado en el entretenimiento y el éxito económico, y propusieron un cine de autor, en que el director escribiera con su cámara, enfatizando la subjetividad de su mirada.
Para dirigir sus películas, los integrantes de la nueva ola adoptaron como inspiradores a Orson Welles y a Alfred Hitshcock.
Obras esenciales de este movimiento son “Los 400 golpes”, de François Truffaut, “Hiroshima mon amour”, de Alain Resnais, y “Orfeo Negro” , de Marcel Camus, todas de 1959.
Si sumamos a la labor de los autores invocados, el trabajo de Agnès Varda, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer y Claude Chabrol, notaremos que la nueva ola francesa adquirió una impronta de calidad e influencia que hasta ahora repercute en la cinematografía mundial.
Era el hombre común, ya enamorado del cine, que filmaba con sus amigos en las calles, al margen de los estudios industriales.
En Brasil hubo un fenómeno paralelo y enlazado al francés denominado “Cinema Novo”. Aquí resulta fundamental “Dios y el Diablo en la tierra del sol”, 1964, de Glauber Rocha.
En Cuba, el impacto de la nueva ola tuvo especial relevancia porque se sumó al vértigo de la revolución, que Tomás Gutiérrez Alea y Humberto Solás supieron expresar con “Memorias del Subdesarrollo” y “Lucía” , ambas de 1968.
El “Chacal de Nahueltoro”, de Miguel Littin, “Tres Tristes Tigres”, de Raúl Ruiz y “Valparaíso mi amor”, de Aldo Francia, filmadas entre 1968 y 1969 con la misma cámara, son tributarios directos de la nueva ola francesa.
En Argentina, el ideario del cine de autor llegó a tierra fértil, porque la densidad cultural de las universidades y la literatura rioplatense, sumada al apoyo estatal instalado por Perón en imitación de Mussolini, permitió que el cine argentino goce de una impronta y trayectoria propia, al punto que Gardel, Santos Discépolo, Campanella y Darín son figuras incorporadas con fuerza al imaginario universal.
En 1960, Fernando Birri, filmó Tire Dié, mostrando los niños de las ranchadas de Santa Fe y su rito de perseguir los trenes para obtener de regalo alguna moneda, marcando el punto de partida del “Nuevo Cine Latinoamericano”
En general, se habla del “Nuevo Cine Latinoamericano”, porque todos los directores de los años 60 compartieron sus experiencias y se reunieron en eventos tan significativos como el Festival de Cine de Viña del Mar. Mi amiga Marcia Orell García, escribió un magnífico libro sobre este resplandor de la cultura indo-ibérica.
Una línea común en el nuevo cine es su valoración de la niñez, tan palpable en “Tire Dié”, “Los 400 golpes” y “Valparaíso mi amor”.
“Los 400 golpes”, Truffaut
https://es-la.facebook.com/Revista-Acontecimiento-1109906549048928/videos/compartimos-los-400-golpes-de-truffaut-y-la-mirada-de-antoine-doinel-frente-a-la/1122716744794159/
“Hiroshima mon amour”, Resnais
https://www.youtube.com/watch?v=YBrv4CnozAg
« Orfeo negro », Camus
https://archive.org/details/orpheus.-1950-vose
« Vivir su vida », Goddard
https://archive.org/details/VivirSuVidaJeanLucGodardAngeeParaZoowoman.website
« Cleo de 5 a 7 », Varda
https://ok.ru/video/2904020224657
« La fleur du mal», Chabrol
https://archive.org/details/la-fleur-du-mal-claude-chabrol-2003
“La coleccionista », Rohmer
https://archive.org/details/la-coleccionista-1967-eric-rohmer-subt.-espanol
“Paris nous appartient”, Rivette
https://www.youtube.com/watch?v=17ova2H68Hg
« Tire dié »
https://www.youtube.com/watch?v=vLQCmwwjxvw
« Dios y el Diablo en la Tierra del Sol”
https://www.youtube.com/watch?v=yax2nV8YtR4
“Valparaíso mi amor”
https://www.cclm.cl/cineteca-online/valparaiso-mi-amor/
“El Chacal de Nahueltoro”
https://www.youtube.com/watch?v=kdBOHHYcfAo´
“Tres tristes tigres”
https://www.youtube.com/watch?v=kA5KYN4ep0E
“Lucía”
https://www.youtube.com/watch?v=OUi-FX6CwiI
“Memorias del subdesarrollo”
https://www.youtube.com/watch?v=1vLXRahu994
Entrevista de Francois Truffaut a Alfred Hitchcock sobre Vértigo
https://www.youtube.com/watch?v=zLAZSzKnvgE
El nuevo cine estadounidense
El correlato de la nueva ola francesa en los Estados Unidos se llamó nuevo cine estadounidense, e implicó el uso privilegiado de escenarios reales, la interpretación improvisada de los actores y la inclusión de temas sociales
Sus principales exponentes fueron los actores Martin Ritt, largamente incluido en las listas negras anticomunistas y John Cassavetes.
Ritt su película “Edge of the City”, “Donde la ciudad termina”, de 1957, brega contra el racismo, la corrupción y la opresión gubernamental. Cassavates y Sidney Poitier interpretan los roles principales.
Entre 1958 y 1959, al mismo tiempo que “Los 400 Golpes”, “Hiroshima mon amour” y “Orfeo Negro”, Cassavates, filmó en 16 mm y con actores amateurs, “Shadows”, que presenta la vida de tres hermanos afrodescendientes en Nueva York. La película no tuvo mayor acogida en los Estados Unidos, pero tras ser galardonada en el festival de Venecia, fue ampliamente distribuida en Europa.
En 1960 apareció el manifiesto fundacional de este movimiento. En él condenan el cine comercial: “El cine oficial en todo el mundo está acabado. Es moralmente corrupto, estéticamente obsoleto, temáticamente superficial, temperamentalmente aburrido”. Para luchar contra ello se proponen crear instituciones de apoyo para dar salida a sus películas, que de otra manera no habrían podido acceder a los circuitos comerciales, y renuncian a la exclusividad en la distribución, que quedaría al arbitrio de cada artista. También rechazan la condición “aurática” de los artistas, es decir, aquella que propone que ellos (los artistas) son unos genios o seres inspirados que se encuentran por encima de los demás.
“Edge of the city”, Ritt
https://www.youtube.com/watch?v=GDR9P2hwVL0
« Shadows », Cassavetes
https://www.youtube.com/watch?v=vPGM3nH0_2Y
Ingmar Bergman
Chantal Akerman, nacida en Bélgica, inscrita con su propio estilo en la línea del cine autor, siguió la senda abierta por numerosas precursoras , entre ellas, Mabel Normand, que escribió, dirigió y protagonizó algunos de los primeros títulos de Chaplin, Wang Ping, de China, y Agnès Varda, de dilatada carrera inscrita en la nueva ola francesa, el feminismo y el realismo social, cuya obra más celebrada es “Cleo de 5 a 7”, en que registra dos horas trascendentales en la vida de una parisina.
Las obra más reconocida de Chantal es Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles, de 1975, elogiada por el New York Times como "la primera obra maestra del feminismo en la historia del cine"; trata de momentos intimistas en las rutinas de una eficiente ama de casa que se ve obligada a prostituirse para poder vivir con su hijo.
Como nieta de abuelos asesinados en Auschwitz y de una madre que por milagro salió de ese infierno, las vivencias del pueblo hebreo están presentes en su trabajo, siempre desde la independencia crítica y el humanismo.
Su narración fílmica se caracteriza por el constante uso de las elipsis, la técnica en cuya virtud el paso de una imagen a otra permite entender lo que ocurrió entretanto.
La más célebre elipsis cinematográfica es la de “2001: Odisea del Espacio”, de 1968, dirigida por Stanley Kubrick, en que un primate explora el uso de un hueso como herramienta y luego la lanza al aire, surgiendo en pantalla una nave espacial.
“Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles”
https://archive.org/details/jeanne-dielman-23-quai-du-commerce-1080-bruxelles-akerman
« Je, tul il elle”
https://archive.org/details/je-tul-il-elle
“Les Rendez Vous D' Anna”
https://archive.org/details/les-rendez-vous-d-anna
España y el traspié de la luz
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Buñuel Almodóvar
España ingresó al Siglo XX con su Imperio destruido, sin lograr consolidar la democracia, sin instaurar la tolerancia religiosa, sufriendo una situación social explosiva, en el marco de una Europa asediada por las guerras.
La contienda civil de 1936, prólogo de la II Guerra Mundial, fue la concreción bélica de esa crisis y se definió en contra de la libertad.
La extensa dictadura de Franco, asfixió por casi cuarenta años la democracia y la tolerancia, pero no consiguió lo mismo con el arte, que siguió alimentando el espíritu de España.
El cine de Buñuel y de Almodóvar es la expresión audiovisual de la mencionada crisis hispánica , en su noche y en su amanecer.
“El ángel exterminador”, Buñuel
https://archive.org/details/elangelexterminadorluisbunuel
“Vidriana”, Buñuel
https://archive.org/details/viridiana_202108
“Historias de Vida”, Buñuel
https://archive.org/details/podcast_historias-de-vida_luis-bunuel_1000312228387
Las cámaras aman algunos lugares. Ciertamente “Nueva York”, “El valle de los monumentos”, que figura en decenas de cintas, “San Francisco”, “Florencia”, “Valparaíso”, “Roma”, “Viena”, “Paris”, las mansiones inglesas, “Rio de Janeiro” y Valparaíso.
Hago este quiebre para mencionar “A room with a view”, “Un amor en Florencia”, film británico de 1985, dirigido por el californiano James Ivory.
La cinta muestra el romance en dos turísticas ingleses, diversas clases sociales, que cruzan sus vidas en el marco de la belleza de Florencia.
Algo nos sigue llevando una y otra vez a la ciudad de Dante, Leonardo, Miguel Ángel, Botticelli y Cellini.
“Una habitación con vistas”, Ivory
https://www.gloria.tv/post/EY4pikivfmHn3f41wUhb4FF1j
Cine iniciático
Existe una literatura iniciática, con “La Odisea”, “La Comedia”, “La Tempestad” y “El Principito” como ejemplos, que abordan el viaje, las purificaciones y pruebas que debe sobrellevar el ser humano para obtener su autorrealización; la unión de las virtudes femeninas y masculinas ; la colaboración entre el pensamiento y el inconsciente - "boda alquímica" - ; y la construcción de una sociedad en que todos los seres se traten como hermanos.
En el campo de la música son ejemplos “La Flauta Mágica”, de Mozart, que aborda directamente una iniciación de corte masónico; las sinfonías Cuarta, Quinta y Novena, de Beethoven, que atañen a los peligros del sendero, el encuentro con la muerte y el triunfo de la alegría; “La Fuerza del Destino”, de Verdi, enfocada en la autorrealización que no logra perfeccionarse; “Turandot”, de Puccini, que se hace cargo de una boda alquímica y, en el campo del jazz, “A Love Supreme”, de Coltrane, centrada en los trabajos que llevan a la unión con el Supremo Amor y la plenitud de ese Amor, de esa iluminación.
Como era de esperarse, en el cine se produce un fenómeno parecido. Así, la cinta, “El Mago de Oz”, de Victor Fleming, está basada en el libro del mismo nombre del escritor rosacruz L. Frank Baum, presenta el paso de un plano a otro y el perfeccionamiento a través de la virtud; “La Guerra de las Galaxias”, de George Lucas, que reconoce su inspiración en la obra de Joseph Campbell, mitógrafo experto en el rol del héroe; “El séptimo sello”; en que un caballero templario se enfrenta a la muerte; “Horizontes perdidos”, de Capra y Riskin, sobre la construcción de una sociedad utópica; y, “The Matrix”, de las hermanas transgénero Lana y Lilly Wachowski, con su intricado simbolismo acerca del libre pensamiento.
El Mago de Oz, dirigida por Fleming tras varias sustituciones.
https://archive.org/details/elmagodeoz.1925.subtitulada
En Persia vuelve a florecer el cine. Abbas Kaiarostamí y Marjane Satrapi
Irán es un país milenario que ha sabido imbuir de filosofía y resistencia cultural a su cine.
Allí, el cine de autor iniciado hacia 1960, tras una vasta experiencia en la creación comercial, alzó su valor sobreponiéndose al despotismo del Sha, la revolución islámica, su vigilancia cultural, las restricciones al trato con occidente, y, la cruenta guerra con Irak.
De entre sus múltiples y talentosos directores, quiero referirme a Abbas Kaiarostamí, 1940-2016 y Marjane Satrapi, nacida en 1969.
Abbas Kaiarostamí solía instalar la cámara al interior de su vehículo para recorrer su país y mostrar los lenguajes, pensamientos, y creencias de su gente.
Sus obras más aclamadas son “Close-Up”, de 1990, “El sabor de las cerezas”, de 1997, “El viento nos llevará”, de 1999, “Copia certificada”, de 2010 y “Like Someone in Love”, de 2012.
Marjane Satrapi pasó de la novela gráfica al cine de animación para revelar el poder, la valentía e imaginación de las mujeres laicas de Persia. Su obra fundamental es Persépolis, de 2007.
Jean Luc Goddard señaló “El cine comienza con Griffith y termina con Abbas Kiarostami”, había olvidado a Marjane Satrapi.
“Close up”
https://www.youtube.com/watch?v=sSynUYdf4Lg
“El sabor de las cerezas”
https://archive.org/details/ElSaborDeLasCerezas1997
“El viento nos llevará”
https://www.youtube.com/watch?v=KosymRNQM-g
“Like someone in love”
https://archive.org/details/like-someone-in-love-2012
“Copia certificada”
https://archive.org/details/CopiaCertificada
“Persépolis”
https://archive.org/details/774r318
Epílogo
En estas letras, abandoné el desarrollo del Cine en Estados Unidos tras reseñar a Howard Hawks y Willy Wilder.
Tampoco me referí a los autores y atoras último medio siglo norteamericano como Stanley Kubrick, Francis Ford Coppola, George Lucas, Steven Spielberg, David Lynch, Woody Allen, los hermanos John y Ethan Cohen, Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Paul Thomas Anderson, David Lynch, Martin Scorsese, Oliver Stone, Spike Lee, James Ivory, Sofía Coppola, ni de la galardonada Kathryn Bigelow.
No logré ocuparme del polaco francés, Roman Polanski, ni del canadiense James Cameron, ni del mexicano Alfonso Cuarón, ni del chileno Sebastián Lelio, ni de la neozelandesa Jane Campion, reciente ganadora del Oscar a la mejor dirección por “El poder del perro”
No he tenido tiempo ni conocimientos para hablar del cine inglés salvo breves letras sobre el imprescindible Albert Hitchcock, omitiendo “Los Carros de Fuego”, de Hugh Hudson y todo el sorprendente realismo social y el fervor por el drama policial de los británicos.
No logré referirme al cine danés, el portugués, el mexicano , el australiano, el peruano, el colombiano y el coreano, entre otros, que también tienen su propia impronta.
Obviamente este trabajo es insuficiente, pero sirve como guía introductoria, notas para el paseo de un turista a través del vasto y complejo laberinto de la imagen y el sonido en movimiento.
“Lost Horizon”, “Horizontes Perdidos”
https://gloria.tv/post/rkjAQgvGfJop3TP7ad3XvytdB
En Odesa, el coche de un bebé irrumpe con su nueva estética en el momento más libertario de la revolución soviética.
Serguéi Eisenstein aprovechó los años libertarios de la primera década de la revolución soviética, para expresar en el Acorazado Potemkin, de 1925, toda la fuerza del hombre común.
Lo hace incorporando innovaciones de filmación y montaje que le permiten crear la célebre escena de la matanza en la gran escala de Odesa, que hasta ahora maravilla a los cineastas.
Se ha dicho que en el cine clásico norteamericano previo a los años 70, una película normal, de 110 minutos, tenía entre 300 y 700 planos. La duración media de cada uno de esos planos era de entre 22 y 9 segundos.
Antes de la llegada de las herramientas digitales de edición de las que disfrutamos ahora, cada corte debía ser tratado manualmente, cada pieza del montaje perfectamente estudiada antes de ser incorporada al producto final.
Pues bien, el Acorazado tiene más de 1.100 planos en 80 minutos. Sólo en los minutos de la escalera se concentraron 170 de estos cortes dando forma al referente más célebre de la historia del montaje cinematográfico, en que la escena se relata visualmente alternando la linealidad con la yuxtaposición de imágenes.
Eisenstein nutre su estética con su opción gay, tornando apolíneos a los marineros alzados y exaltando visualmente el poder de sus cuerpos, en contraposición a los oficiales zaristas, cuyos rostros retorcidos expresan los sombrío de su causa.
Pero pronto, Eisenstein cayó en desgracia ante el régimen de Stalin. Salvó su vida gracias a su fama internacional, pero no volvió a filmar en 20 años.
“Acorazado Potemkin”, Eisenstein
https://www.youtube.com/watch?v=BEvaNIzuGAg
Fritz Lang, “hemos decidido que eres ario”
Fritz Lang
En los comienzos del siglo XX la cultura de habla alemana logró altas cumbres con el movimiento del “Jinete Azul” y el expresionismo en la pintura; la filosofía de Husserl y Heidegger; la literatura de Herman Hesse, Thomas Mann y Stephen Zweig; el gran salto de la psiquiatría a partir de Freud, la arquitectura y el diseño de la Bauhaus, la música de Richard Strauss y Gustav Mahler; la relatividad y la física cuántica.
En el cine, el correlato se denomina “Expresionismo Alemán”, que conmovido por el infierno de la primera guerra mundial devela los demonios interiores y la subjetividad aterrorizada del ser humano.
El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna.
El más connotado de los expresionistas alemanes es Fritz Lang, que creó en Alemania, "Metropolis", de 1927 , "M. el vampiro de Düseldorf", de 1931 y "El testamento del Dr. Mabuse", de 1932.
Al finalizar "El testamento del Dr. Mabuse" , recibió la propuesta d Joseph Goebbels de hacerse cargo de la dirección de los estudios “Universum Film AG”, conocidos como UFA , pero Lang, que era del todo contrario al nazismo le expresó a Goebbels que aunque su madre era católica conversa, ella era realmente judía, a lo que Goebbels retrucó "Nosotros decidimos quién es ario y quién no" y esa misma noche , Lang huyó hacia Francia.
Asentado en los Estados Unidos, rodó Furia, de 1936, Sólo se vive una vez, de 1937, La mujer del cuadro , de 1944, Perversidad, de 1945, Secreto tras la puerta, de 1947, Encubridora, de 1952, Los sobornados , de 1953, Deseos humanos, de 1954, Los contrabandistas de Moonfleet , de 1955, Más allá de la duda , de 1956 y Mientras Nueva York duerme, de 1956.
En la República Federal Alemana, filmó El tigre de Esnapur , de 1958, La tumba india , de 1959, y Los crímenes del Dr. Mabuse , de 1960, su última película.
Fritz Lang, expresó sobre Metropolis, su obra maestra; “Vine a América por primera vez brevemente en 1924, y me hizo una gran impresión. La primera tarde cuando llegamos, éramos todavía enemigos extranjeros, así que no podíamos dejar el barco. Fue atracado en algún lugar de West Side de New York. Miré las calles, las luces brillantes y altos edificios, allí concebí Metropolis.”
La concepción de la película, que une el materialismo histórico y el simbolismo bíblico en una ciudad futurista del año 2000, divida entre una minoría poderosa y sofisticada y la población obrera a cargo de manejar las máquinas.
“Metropolis”, Lang
https://www.youtube.com/watch?v=PFE-dBHbUp8
“ M, el vampiro de Düsseldorf”, Lang
https://www.youtube.com/watch?v=r7GLsRs0SBs
“El testamento del Dr. Mabuse”, Lang (Con subtítulos en inglés y en español)
https://archive.org/details/the-testament-of-dr-mabuse
https://www.youtube.com/watch?v=qQHVcgHdyvY
Los emigrantes hacen florecer el bosque sagrado
Lubitsh Wilder y Monroe Curtiz Wyler
El cine, como el jazz o el tango, se enriqueció gracias al desplazamiento provocado por las guerras y genocidios. Ernst Lubitsh, Billy Wilder, Michael Curtiz y William Wyler fueron grandes representantes de la emigración europea, educada en Europa e instalada en Hollywood.
Ernst Lubitsh, aportó una manera inteligente y elegante de filmar, comunicando a través de las imágenes y ahorrando muchísimo en diálogos de enlace.
En “Ser o no ser” y “Ninotshka” – con guión de Billy Wilder- , surgidas en días terribles para la humanidad, Lubitsh tuvo la valentía de combatir con humor a Hitler y a Stalin, distinguiendo y rescatando los valores humanistas de los ciudadanos soviéticos, encarnados por Ninotshka.
En todas sus películas brilla el humor del director, el único que logró poner en pantalla las sonrisas de Greta Garbo.
En todas sus películas, resplandece su amor por la alegría.
Billy Wilder es considerado ampliamente como un genio.
En 1994, el director español Fernando Trueba recibió el premio Oscar a mejor película en idioma extranjero por "Belle Epoque". Al finalizar su discurso de aceptación dijo: “Me gustaría creer en Dios para agradecérselo. Pero solo creo en Billy Wilder, así que, gracias Mr. Wilder” y a la mañana siguiente, Wilder lo llamó por teléfono y le dijo: “Hola Fernando, soy Dios”.
El año 2012, el director francés Michel Hazanavicius al recibir una estatuilla de Oscar, expresó “Y quiero agradecer a tres personas: quiero agradecer a Billy Wilder. Quiero agradecer a Billy Wilder. Y quiero agradecer a Billy Wilder. Este es uno de los tantos homenajes que recibió este guionista y director.
Para comprender a Billy, es bueno tener presente su biografía, fue reportero en Viena y luego, en Berlín, se ganó la vida como acompañante pagado a fiestas y, muy seguramente, como gigoló.
En su filmografía, tuvo el ingenio artístico para sobreponerse a los códigos de la industria y denunciar la explotación de las mujeres y su cosificación. De esta forma, las heroínas de sus películas suelen ser prostitutas, chicas promiscuas, travestis, dueñas de casa carentes de dinero y de amor; y actrices mayores abandonadas por la industria.
Billy, siguiendo los pasos de John Huston y del escritor Dashiell Hammett – tío lejano de mi esposa- en “El Halcón Maltés”, de 1941, supo aportar a la creación de las bases del cine negro con la maravillosa “Double Indemnity”.
Además, logró exhibir su amor por Nueva York y su combate a los males del alcoholismo en “The last weekend”.
Se suele considerar que “The Apartment”, de 1960, es su obra cumbre. Allí la explotación se muestra refinada pero implacable, el protagonista, tras trabajar todo el día en un edificio corporativo de Nueva York, subarrienda por horas su departamento para elevar sus ingresos, facilitando así que sus jefes concreten sus amoríos con secretarias y ascensoristas.
De Michael Curtiz, envío “Casablanca”, película concebida como propaganda de guerra, pero que a través de la música, la ambientación y el guión, crea un ambiente fabuloso y cosmopolita, en que el bien y mal se dan golpes; se caricaturizan y revuelcan, mientras una sencilla historia de amor insiste en separar a los amantes, que ante las exigencias superiores de la humanidad, deberán conformarse con sus recuerdos de París y el nuevo purgatorio al que llamamos Casablanca.
Entre sus cintas más recordadas están "The Love Trap" , de 1929, "Hell's Heroes", de 1930, ¿Héroe o cobarde? , de 1932, Una chica angelical , de 1935; “Estos tres”,”Rivales” y “Desengaño”, todas de 1936, “Dead End”, de 1937, “Jezabel”, de 1938, “Cumbres borrascosas” , de 1939, “La carta”, de 1940, “The Westerner” , “La loba” , de 1941, “La Señora Miniver” , de 1942, “Memphis Belle: A Story of a Flying Fortress”, de 1944, documental de guerra, “Los mejores años de nuestras vidas”, de 1946; “Thunderbolt!”, de 1947, documental de guerra, “La heredera”, de 1949, “Detective Story”, de 1951, “Friendly y Persuasion”, de 1956, “Ben Hur”, de 1959 “, “The Children’s Hour”, de 1961, “Vacaciones en Roma”, de 1963; “El coleccionista”, de 1965, y “Funny Girl”, de 1968.
En lo personal, me encanta la forma en que logró hacer visible la energía de Bette Davis en “Jezabel”; la intimistamente bélica “Señora Miniver”; el romance interesado junto a “Washington Square” en “La Heredera”; la luminosa “Vacaciones en Roma”; y, la bastante avanzada para su época “The Children’s Hour” sobre la opresión social a causa de la orientación sexual.
“Trouble in paradise » Lubitsh, subtítulos en portugués
https://archive.org/details/trouble-in-paradise-1932
“Ninotshka”,Lubitsh
https://vk.com/video422198122_456253409
“Ser o no ser”, Lubitsh
https://www.youtube.com/watch?v=Y2bCXtLbEEM
“Heaven can wait”, Lubitsh
https://www.youtube.com/watch?v=lDhJGYE7wX8
“Double Indemnity”, Wilder
https://archive.org/details/1944-double-indemnity-billy-wilder-vose
“The last weekend”, Wilder
https://archive.org/details/1945-the-lost-week-end-dias-sin-huella-billy-wilder-vose
“Sunset Boulevard », Wilder
https://archive.org/details/1950-sunset-boulevard-el-crepusculo-de-los-dioses-el-ocaso-de-una-vida-billy-wilder
« Sabrina », Wilder
https://alugha.com/videos/91388bc0-348c-11eb-bf6d-a9fecaf57de6?lang=spa
“Ariane” Wilder
https://youtu.be/DiImE7OWyYo
“The seven year itch », Wilder
Primera Parte
https://www.dailymotion.com/video/x818a2q
Segunda Parte
https://www.dailymotion.com/video/x81c1hl
« The Apartment », Wilder
https://ok.ru/video/352967789115
“One, two, three”
https://archive.org/details/one.-two.-three.-1961.720p.-billy-wilder-film-james-cagney-howard-st.-john-pamel
« Some like it hot”, Wilder
https://gloria.tv/post/8orFVmHCbTYcB7pKDafxt6vYW
« Bésame tonto”, Wilder
https://www.youtube.com/watch?v=CKZ-0_vA5lw
“Irma la dulce”, Wilder
https://www.youtube.com/watch?v=PNUlk7N48LA
“The adventures of Robin Hood », Curtiz (En inglés)
https://www.bilibili.tv/en/video/2042439049
“Casablanca”, Curtiz
https://archive.org/details/casablanca.720p.bdrip.subesp
“Jezabel”, Wyler (Subtítulos en portugués)
https://vimeo.com/327291714
“The Letter”, “La Carta », Wyler
https://archive.org/details/1940-the-letter-la-carta-william-wyler-vose
Ernst Lubitsh, aportó una manera inteligente y elegante de filmar, comunicando a través de las imágenes y ahorrando muchísimo en diálogos de enlace.
En “Ser o no ser” y “Ninotshka” – con guión de Billy Wilder- , surgidas en días terribles para la humanidad, Lubitsh tuvo la valentía de combatir con humor a Hitler y a Stalin, distinguiendo y rescatando los valores humanistas de los ciudadanos soviéticos, encarnados por Ninotshka.
En todas sus películas brilla el humor del director, el único que logró poner en pantalla las sonrisas de Greta Garbo.
En todas sus películas, resplandece su amor por la alegría.
Billy Wilder es considerado ampliamente como un genio.
En 1994, el director español Fernando Trueba recibió el premio Oscar a mejor película en idioma extranjero por "Belle Epoque". Al finalizar su discurso de aceptación dijo: “Me gustaría creer en Dios para agradecérselo. Pero solo creo en Billy Wilder, así que, gracias Mr. Wilder” y a la mañana siguiente, Wilder lo llamó por teléfono y le dijo: “Hola Fernando, soy Dios”.
El año 2012, el director francés Michel Hazanavicius al recibir una estatuilla de Oscar, expresó “Y quiero agradecer a tres personas: quiero agradecer a Billy Wilder. Quiero agradecer a Billy Wilder. Y quiero agradecer a Billy Wilder. Este es uno de los tantos homenajes que recibió este guionista y director.
Para comprender a Billy, es bueno tener presente su biografía, fue reportero en Viena y luego, en Berlín, se ganó la vida como acompañante pagado a fiestas y, muy seguramente, como gigoló.
En su filmografía, tuvo el ingenio artístico para sobreponerse a los códigos de la industria y denunciar la explotación de las mujeres y su cosificación. De esta forma, las heroínas de sus películas suelen ser prostitutas, chicas promiscuas, travestis, dueñas de casa carentes de dinero y de amor; y actrices mayores abandonadas por la industria.
Billy, siguiendo los pasos de John Huston y del escritor Dashiell Hammett – tío lejano de mi esposa- en “El Halcón Maltés”, de 1941, supo aportar a la creación de las bases del cine negro con la maravillosa “Double Indemnity”.
Además, logró exhibir su amor por Nueva York y su combate a los males del alcoholismo en “The last weekend”.
Se suele considerar que “The Apartment”, de 1960, es su obra cumbre. Allí la explotación se muestra refinada pero implacable, el protagonista, tras trabajar todo el día en un edificio corporativo de Nueva York, subarrienda por horas su departamento para elevar sus ingresos, facilitando así que sus jefes concreten sus amoríos con secretarias y ascensoristas.
De Michael Curtiz, envío “Casablanca”, película concebida como propaganda de guerra, pero que a través de la música, la ambientación y el guión, crea un ambiente fabuloso y cosmopolita, en que el bien y mal se dan golpes; se caricaturizan y revuelcan, mientras una sencilla historia de amor insiste en separar a los amantes, que ante las exigencias superiores de la humanidad, deberán conformarse con sus recuerdos de París y el nuevo purgatorio al que llamamos Casablanca.
Entre sus cintas más recordadas están "The Love Trap" , de 1929, "Hell's Heroes", de 1930, ¿Héroe o cobarde? , de 1932, Una chica angelical , de 1935; “Estos tres”,”Rivales” y “Desengaño”, todas de 1936, “Dead End”, de 1937, “Jezabel”, de 1938, “Cumbres borrascosas” , de 1939, “La carta”, de 1940, “The Westerner” , “La loba” , de 1941, “La Señora Miniver” , de 1942, “Memphis Belle: A Story of a Flying Fortress”, de 1944, documental de guerra, “Los mejores años de nuestras vidas”, de 1946; “Thunderbolt!”, de 1947, documental de guerra, “La heredera”, de 1949, “Detective Story”, de 1951, “Friendly y Persuasion”, de 1956, “Ben Hur”, de 1959 “, “The Children’s Hour”, de 1961, “Vacaciones en Roma”, de 1963; “El coleccionista”, de 1965, y “Funny Girl”, de 1968.
En lo personal, me encanta la forma en que logró hacer visible la energía de Bette Davis en “Jezabel”; la intimistamente bélica “Señora Miniver”; el romance interesado junto a “Washington Square” en “La Heredera”; la luminosa “Vacaciones en Roma”; y, la bastante avanzada para su época “The Children’s Hour” sobre la opresión social a causa de la orientación sexual.
“Trouble in paradise » Lubitsh, subtítulos en portugués
https://archive.org/details/trouble-in-paradise-1932
“Ninotshka”,Lubitsh
https://vk.com/video422198122_456253409
“Ser o no ser”, Lubitsh
https://www.youtube.com/watch?v=Y2bCXtLbEEM
“Heaven can wait”, Lubitsh
https://www.youtube.com/watch?v=lDhJGYE7wX8
“Double Indemnity”, Wilder
https://archive.org/details/1944-double-indemnity-billy-wilder-vose
“The last weekend”, Wilder
https://archive.org/details/1945-the-lost-week-end-dias-sin-huella-billy-wilder-vose
“Sunset Boulevard », Wilder
https://archive.org/details/1950-sunset-boulevard-el-crepusculo-de-los-dioses-el-ocaso-de-una-vida-billy-wilder
« Sabrina », Wilder
https://alugha.com/videos/91388bc0-348c-11eb-bf6d-a9fecaf57de6?lang=spa
“Ariane” Wilder
https://youtu.be/DiImE7OWyYo
“The seven year itch », Wilder
Primera Parte
https://www.dailymotion.com/video/x818a2q
Segunda Parte
https://www.dailymotion.com/video/x81c1hl
« The Apartment », Wilder
https://ok.ru/video/352967789115
“One, two, three”
https://archive.org/details/one.-two.-three.-1961.720p.-billy-wilder-film-james-cagney-howard-st.-john-pamel
« Some like it hot”, Wilder
https://gloria.tv/post/8orFVmHCbTYcB7pKDafxt6vYW
« Bésame tonto”, Wilder
https://www.youtube.com/watch?v=CKZ-0_vA5lw
“Irma la dulce”, Wilder
https://www.youtube.com/watch?v=PNUlk7N48LA
“The adventures of Robin Hood », Curtiz (En inglés)
https://www.bilibili.tv/en/video/2042439049
“Casablanca”, Curtiz
https://archive.org/details/casablanca.720p.bdrip.subesp
“Jezabel”, Wyler (Subtítulos en portugués)
https://vimeo.com/327291714
“The Letter”, “La Carta », Wyler
https://archive.org/details/1940-the-letter-la-carta-william-wyler-vose
"La señora Miniver", Wyler
https://ok.ru/video/4913001663158
“Memphis Belle: A Story of a Flying Fortress”, Wyler
https://www.youtube.com/watch?v=DW4F_ZMrS3A
“Memphis Belle: A Story of a Flying Fortress”, Wyler
https://www.youtube.com/watch?v=DW4F_ZMrS3A
"Los mejores años de nuestra vida", Wyler
https://www.gloria.tv/post/1uPMHkwwRWsK2NxTWtJXgvKaL
« La heredera », Wyler (Sólo en inglés)
https://archive.org/details/TheHeiress
« Friendly Persuasion » Wyler (Sólo en inglés)
https://archive.org/details/8191B
« The children’s hour », « La calumnia », Wyler
https://ok.ru/video/283866040891
« The collector”, “El coleccionista”, Wyler (Sólo en ingés)
https://www.effedupmovies.com/collector-1965/
« La heredera », Wyler (Sólo en inglés)
https://archive.org/details/TheHeiress
« Friendly Persuasion » Wyler (Sólo en inglés)
https://archive.org/details/8191B
« The children’s hour », « La calumnia », Wyler
https://ok.ru/video/283866040891
« The collector”, “El coleccionista”, Wyler (Sólo en ingés)
https://www.effedupmovies.com/collector-1965/
El gigante Orson Welles, se enfrenta a los formidables medios de prensa que empujan hacia la guerra.
En vísperas de la Segunda Guerra Mundial y con ocasión del “Halloween” de 1938, Welles creó “La Guerra de los Mundos” un programa de radio en Nueva York, que reporteó la invasión del planeta, causando pánico en la audiencia.
En 1941, volvió a embestir contra el poder de la prensa, emprendiendo su primera y más fabulosa película “El ciudadano Kane”, inspirada en la vida del magnate propietario de periódicos William Randolph Hearst, que con la fuerza de sus medios de comunicación impulsó la invasión de Cuba en 1898 y procuró detener la revolución mexicana.
En su raíz, esta obra que Welles comenzó a filmar con sólo 22 años, muestra a un niño corrompido por el dinero y el poder que en su lecho de muerte sólo quiere retornar a su infancia de nieve y campo, simbolizada por el nombre de su trineo, Rosebud. Un ser humano, que de no haber sido tan rico, habría llegado a ser un buen hombre.
Primerizo en el rol de director, Welles vió cuarenta veces “La Diligencia”, de John Ford, acompañado de técnicos a los que consultaba la forma en que se obtuvieron las imágenes y los efectos logrados en pantalla.
Al partir desde 0 en la industria, Welles incorporó en su película todos los adelantos de la época, entre ellos, la profundidad de campo, logrando que tanto el primer plano como el fondo aparezcan nítidamente enfocados; el uso de planos contrapicados; el recurso intensivo de los flashbacks y el movimiento de la cámara.
La película fue un fracaso de taquilla, pero se volvió un ícono para los técnicos del cine y determinó una nueva manera de filmar.
En 1946, tachado de comunista, debió dejar los Estados Unidos, radicándose en Europa, donde se sumergió en la riqueza de Shakespeare y filmó “Macbeth”, de 1948, “Otelo”, de 1952 y “Mr. Arkadin”, de 1955.
Regresó a Estados Unidos en 1958 para filmar “Touch of Evil”, que cuenta en su inicio con el plano secuencia más famoso del cine, dura tres minutos y tardó quince días en filmarse.
El plano secuencia es una técnica de planificación de rodaje que consiste en la realización de una toma sin cortes durante un período extendido de tiempo.
La película de Aleksander Sokurov, "El Arca Rusa", de 2002, conformada por un único plano secuencia , presenta una visita a "L'Hermitage", el ex "Palacio de Invierno", e implica una visión de la historia Rusa. Se logró concretar al cuarto intento.
“La Guerra de los mundos”, Welles
https://archive.org/details/la-guerra-de-los-mundos-orson-welles-sub-espaol
https://www.youtube.com/watch?v=VMGRCU4kLjI “El ciudadano Kane”
https://gloria.tv/post/RxU2oyn3Rf6U2GwBTXyCxTTZY
“Touch of Evil”, Welles
https://www.tokyvideo.com/es/video/sed-de-mal-1958
https://archive.org/details/8.0-touch-of-evil-1958
“Macbeth”, Welles
https://www.youtube.com/watch?v=96ZIo6IH_Qg
“Otelo”, Welles
https://web.facebook.com/MantikF/videos/othello-the-moor-of-venice-literalmente-la-tragedia-de-otelo-el-moro-de-venecia-/2171951539744334/?_rdc=1&_rdr
“Mr. Arkadin”, Welles
https://www.pbs.org/video/mr-arkadin-1955-y8mfeh/
“La diligencia”, Ford
https://www.youtube.com/watch?v=l7WTGZG8NVE
“La Guerra de los mundos”, Welles
https://archive.org/details/la-guerra-de-los-mundos-orson-welles-sub-espaol
https://www.youtube.com/watch?v=VMGRCU4kLjI “El ciudadano Kane”
https://gloria.tv/post/RxU2oyn3Rf6U2GwBTXyCxTTZY
“Touch of Evil”, Welles
https://www.tokyvideo.com/es/video/sed-de-mal-1958
https://archive.org/details/8.0-touch-of-evil-1958
“Macbeth”, Welles
https://www.youtube.com/watch?v=96ZIo6IH_Qg
“Otelo”, Welles
https://web.facebook.com/MantikF/videos/othello-the-moor-of-venice-literalmente-la-tragedia-de-otelo-el-moro-de-venecia-/2171951539744334/?_rdc=1&_rdr
“Mr. Arkadin”, Welles
https://www.pbs.org/video/mr-arkadin-1955-y8mfeh/
“La diligencia”, Ford
https://www.youtube.com/watch?v=l7WTGZG8NVE
"El Arca Rusa"
https://archive.org/details/ElArcaRusaRussianArk2002
Howard Hawks y su arte de entretener
Su carrera como director de 47 variopintas películas se inició con “The Road to Glory”, de 1936 y cruzó con éxito hasta 1970, con su "Rio Lobo".
Ejercía un control absoluto de todos los aspectos de la producción y la dirección e intervenía en todos los guiones. Su definición de una buena película fue: «Tres grandes escenas, ninguna mala». Le gustaba expresar que de los diez mandamientos del cine los nueve primeros eran «entretener, entretener y entretener». Definió al buen director como «aquel que no te molesta», es decir, el que no se aleja del meollo de la escena. En sus propias palabras, su estilo de dirección se basa en «ser agradable y directo».
“The Road to Glory”
https://www.youtube.com/watch?v=IAUTZbP9l2I
“Scarface”
https://archive.org/details/scarface-1932_202109
“Bringing Up Baby”
https://archive.org/details/bringing-up-baby-1938_202006
https://archive.org/details/bringing-up-baby-1938_202008 (subt. En portugués)
“The big sleep”
https://archive.org/details/1946-the-big-sleep-el-sueno-eterno-howard-hawks-vose
“Los caballeros las prefieren rubias”
https://archive.org/details/gentlemen-prefer-blondes-1953
“Río Lobo”
https://www.lasteles.com/blog/rio-lobo-pelicula-online/
El neorrealismo
Rossellini De Sica Visconti
El escenario del término de la segunda guerra mundial derivó en la Guerra Fría, el ejército rojo avanzó hasta las puertas de Venecia, se produjo la revolución China, las guerras de Corea y Vietnam.
En Italia y Francia, los antiguos partisanos y miembros de la resistencia adquirieron una impronta de héroes y la propaganda anticomunista tuvo muchas más dificultades en caricaturizar a los partidos de izquierda.
Aprovechando las condiciones materiales de “Cinecittá”, inaugurada en 1937 y creada por el régimen fascista, los cineastas italianos abandonaron los temas nacionalistas, musicales y de propaganda para describir la realidad.
Lo hicieron fundándose en la improvisación y en el aporte de actores no profesionales que representaron sus propios roles en la comunidad, desplazando la relevancia de la trama.
El término neorrealismo fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro.
Obras fundamentales del neorrealismo son “Roma Ciudad Abierta”, 1945, de Roberto Rossellini, “Ladrón de Bicicletas”, 1948, de Vittorio de Sica y “La tierra tiembla”, 1948, de Luchino Visconti.
“Roma Ciudad Abierta”
https://www.youtube.com/watch?v=PxzBKEAAYQo
“Ladrón de bicicletas”
https://www.youtube.com/watch?v=6GqiTgJOAek
“La tierra tiembla”
https://www.youtube.com/watch?v=lGUyLOqEkxc
Fellini
Howard Hawks y su arte de entretener
Su carrera como director de 47 variopintas películas se inició con “The Road to Glory”, de 1936 y cruzó con éxito hasta 1970, con su "Rio Lobo".
Ejercía un control absoluto de todos los aspectos de la producción y la dirección e intervenía en todos los guiones. Su definición de una buena película fue: «Tres grandes escenas, ninguna mala». Le gustaba expresar que de los diez mandamientos del cine los nueve primeros eran «entretener, entretener y entretener». Definió al buen director como «aquel que no te molesta», es decir, el que no se aleja del meollo de la escena. En sus propias palabras, su estilo de dirección se basa en «ser agradable y directo».
“The Road to Glory”
https://www.youtube.com/watch?v=IAUTZbP9l2I
“Scarface”
https://archive.org/details/scarface-1932_202109
“Bringing Up Baby”
https://archive.org/details/bringing-up-baby-1938_202006
https://archive.org/details/bringing-up-baby-1938_202008 (subt. En portugués)
“The big sleep”
https://archive.org/details/1946-the-big-sleep-el-sueno-eterno-howard-hawks-vose
“Los caballeros las prefieren rubias”
https://archive.org/details/gentlemen-prefer-blondes-1953
“Río Lobo”
https://www.lasteles.com/blog/rio-lobo-pelicula-online/
El neorrealismo
Rossellini De Sica Visconti
El escenario del término de la segunda guerra mundial derivó en la Guerra Fría, el ejército rojo avanzó hasta las puertas de Venecia, se produjo la revolución China, las guerras de Corea y Vietnam.
En Italia y Francia, los antiguos partisanos y miembros de la resistencia adquirieron una impronta de héroes y la propaganda anticomunista tuvo muchas más dificultades en caricaturizar a los partidos de izquierda.
Aprovechando las condiciones materiales de “Cinecittá”, inaugurada en 1937 y creada por el régimen fascista, los cineastas italianos abandonaron los temas nacionalistas, musicales y de propaganda para describir la realidad.
Lo hicieron fundándose en la improvisación y en el aporte de actores no profesionales que representaron sus propios roles en la comunidad, desplazando la relevancia de la trama.
El término neorrealismo fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro.
Obras fundamentales del neorrealismo son “Roma Ciudad Abierta”, 1945, de Roberto Rossellini, “Ladrón de Bicicletas”, 1948, de Vittorio de Sica y “La tierra tiembla”, 1948, de Luchino Visconti.
“Roma Ciudad Abierta”
https://www.youtube.com/watch?v=PxzBKEAAYQo
“Ladrón de bicicletas”
https://www.youtube.com/watch?v=6GqiTgJOAek
“La tierra tiembla”
https://www.youtube.com/watch?v=lGUyLOqEkxc
Fellini
Un paso adelante del neorrealismo lo dio Federico Fellini, dibujante, hombre de radio y colaborador de Rosellini, quien comenzó a filmar películas imbuidas de fantasía, sueños, deslumbrante fotografía , profundo amor por los rostros y constante juego con el peso de la historia y la religiosidad italiana.
Así, “La Dolce Vita”, de 1960, comienza con dos helicópteros que vuelan transportando a un sofisticado, elegante y seductor periodista sobre las ruinas de las termas de Caracalla, una cancha de fútbol, niños que corren, obreros, una azotea con muchachas que toman el sol, la Basílica de San Pedro y los modernos edificios de Roma, siempre cargando una estatua de Jesús con sus brazos extendidos. Los helicópteros parecen detenerse sobre San Pedro, mientras campanadas reciben la figura del Maestro galileo.
Fellini, tras considerar que había filmado 7 películas y media, a la siguiente la llamó Otto e mezzo , de 1963, sugiriendo desde ya su connotación autorreferente, abordando el tema de la creatividad y la crisis existencial.
“La dolce vita”
https://archive.org/details/la-dolce-vita-1960-criterion-1080p-blu-ray-x-265-10bit-tigole
https://www.lasteles.com/blog/la-dolce-vita/ (doblada al castellano)
“Otto e mezzo”
https://archive.org/details/eight-and-a-half-1963_202012
“Amarcord”
https://www.youtube.com/watch?v=-Wxpq8YrOO4
Dos dibujantes y un poeta, proyectan las realidades de la mente.
Federico Fellini y Alfred Hitchcock, partiendo de sus competencias como dibujantes, lograron proyectar en las salas de cine, obras visuales en que la luz, los colores y la dinámica de la imágenes, notoriamente preexistieron en la mente y en los cuadernos de dibujo.
De esa manera, lograron divorciarse de lo que observamos y exhibir nuestras fantasías, sueños y miedos
El poeta aristocrático Jean Cocteau con “La Bella y La Bestia” y “Orpheus”, apoyándose en el mito logró aventurarse en los laberintos de la psiquis y el misterio de la eternidad.
“Vértigo”
https://archive.org/details/vertigo-1958
“Rebeca”
https://www.youtube.com/watch?v=PAKfTvLx1oc
“La bella y la bestia”
https://web.facebook.com/PiensaFlix/videos/la-bella-y-la-bestia-la-belle-et-la-b%C3%AAte-1946-pel%C3%ADcula-completa-castellano/464151761045168/?_rdc=1&_rdr
“Orpheus”
https://www.youtube.com/watch?v=1IZIwV7c3os
Akira Kirosawa, el Shakespeare del Siglo XX.
Nacido en 1910, tal como Fellini y Hitchcock, llegó al cine desde el dibujo.
Su trabajo se desarrolló en paralelo al neorrealismo italiano y sorprendentemente continuó hasta 1990.
Sobrevivió a la segunda guerra mundial aportando con su técnica a la creación de películas destinadas a la propaganda de guerra.
Su obra acompañó la reconstrucción de Japón con una serie de celebradas cintas que le valieron amplio prestigio internacional, al punto que Steven Spielberg lo describió como el Shakespeare del cine contemporáneo, probablemente por su genialidad, la vastedad de su obra y su talento para llevar a la pantalla los dramas del vate británico.
Kurosawa poseía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló desde los años cincuenta, lo que le da un sello personal a su obra.
Solía usar lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones. Asimismo, utilizaba varias cámaras al mismo tiempo lo que le permitía filmar un mismo plano desde distinto ángulos.
Otro signo distintivo del estilo de Kurosawa- también muy shakespereano- era su incorporación de los elementos meteorológicos en sus películas, como el aguacero en la escena inicial de Rashomōn y en la batalla final de Los siete samurais , el calor intenso en Nora Inu (El perro rabioso), la ventisca helada en Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru (Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre).
"Rashomōn "
https://archive.org/details/rashomon-subtitulado-espanol
“Los siete samurai”
https://web.facebook.com/M%C3%BAsica-Visual-%CA%B8-%E1%B6%A0%E1%B6%A6%CB%A1%E1%B5%90%CB%A2-109434367867924/videos/%EF%B8%8F-los-siete-samur%C3%A1is-pel%C3%ADcula-1954-sub-espa%C3%B1ol/129973602388430/?_rdc=1&_rdr
“El perro rabioso”
https://vk.com/video251753057_456239081
“El Mercenario”
https://archive.org/details/yojimbo-jap-sub.esp
“Vivir”
https://archive.org/details/rashomon-subtitulado-espanol
“Los siete samurai”
https://web.facebook.com/M%C3%BAsica-Visual-%CA%B8-%E1%B6%A0%E1%B6%A6%CB%A1%E1%B5%90%CB%A2-109434367867924/videos/%EF%B8%8F-los-siete-samur%C3%A1is-pel%C3%ADcula-1954-sub-espa%C3%B1ol/129973602388430/?_rdc=1&_rdr
“El perro rabioso”
https://vk.com/video251753057_456239081
“El Mercenario”
https://archive.org/details/yojimbo-jap-sub.esp
“Vivir”
"Dersú Uzalá"
https://www.youtube.com/watch?v=W8X1rTHeGGs
“Trono de sangre” (Macbeth)
https://archive.org/details/ThroneOfBlood
“Ran” (Rey Lear)
https://archive.org/details/NovamovFlashVideosForAll_20150216
Satyajit Ray, el genio de Bengala.
El nuevo impulso de la postguerra afloró también la India, a través del talento de Satyajit Ray, 1921-1922, cineasta, diseñador y músico, perteneciente a un linaje de intelectuales, que mostró a la India emergiendo de su cultura de castas a través de una trilogía de películas centradas en la vida de Apu, su protagonista.
La trilogía está conformada por “Pather Panchali”, “La canción del Camino”; “Aparajito” ,“El invencible” y “Apun Sansar”, “El mundo de Apu”.
Si bien se inspira en el neorrealismo italiano, a partir del impacto que tuvo para Satyajit “El ladrón de bicicletas”, esta creación audiovisual logra enriquecer la constatación del hecho social con imágenes, textos y música de singular poesía.
Satyajit Ray, formado en el humanismo de Rabindranath Tagore, con inmensa paciencia y vocación, logró concretar esta obra, entre 1952 y 1960, gracias al inmenso éxito de “Pather Panchali”.
La trilogía fue el rostro de la India en el imaginario de los ciudadanos del mundo y emociona por su fotografía, sus actuaciones y la aproximación a una cultura tan diversa. Adentrarse en su mundo es uno de los grandes regalos del cine.
La India, con su cultura milenaria ha sabido desplegar su propio desarrollo cinematográfico.
“Pather Panchali”
https://www.dailymotion.com/video/x6j4i9n
« Aparajito »
https://archive.org/details/aparajito-apu-trilogy-pt.-2
Subtitulada en inglés
« Apu sansar »
https://www.youtube.com/watch?v=BqeDBIiCAFg
Subtitulada en inglés
China, entre “Despertar para salvar el país” y la nostalgia.
En Shanghái, , ubicada en el delta del río Yangtsé, importante polo industrial de China, desde comienzos del siglo XX comenzó a florecer la industria cinematográfica, aplicada exclusivamente a la entretención comercial.
Pero la invasión japonesa de 1931, que amenazó la existencia misma de esta cultura milenaria, llevó a partido comunista chino a lanzar su política de “despertar para salvar el país” sustituyendo los temas de simple esparcimiento por el anti imperialismo, la lucha de clases y las condiciones de vida de los trabajadores.
 |
| Wu Yonggang |
En ese período Wu Yonggang creó “La Diosa”, de 1934, la historia de una prostituta sin nombre - siempre volvemos a Walt Whitman- una mujer que camina las calles iluminadas de neón tratando de llevar a casa, cada noche, suficiente dinero para alimentarse y alimentar a su hijo. La cinta fue protagonizada por Ruan Lingyu, estrella del cine comercial, lo que garantizó una gran afluencia de público.
 |
| Yuan Muzhi |
Dentro de las muchas películas que se filmaron apoyando la revolución que lideró Mao, se encuentra “Hijos de la tormenta”, en occidente “Children of troubled times”, de 1935, dirigida por Yuan Muzhi, que por su talento como actor era conocido como “el hombre de las mil caras”. El tema musical de la cinta , la “Marcha de los voluntarios”, más tarde se convirtió en el himno musical de la República Popular China.
 |
| Fei Mu |
En 1948, el contraste surgió de la mano de director Fei Mu con “Primavera en un pueblo pequeño”, que presenta poéticamente la nostalgia por el pasado y la felicidad de la vida rural, realizada poco antes de que el bando nacionalista se viera forzado a abandonar china continental. Hasta ahora es considerada una de las grandes películas de China y el mundo.
 |
| Xie Jin |
En 1961 se estrenó “El destacamento rojo de las mujeres” , de Xie Jin, una película bélica de la guerra civil, inspirada en un batallón de mujeres que existió realmente. Paradójicamente, años después, el director fue enviado a realizar trabajos forzados, acusado de ser «humanista burgués». Fue “rehabilitado” en 1975.
 |
| Wang Ping |
En 1965, la actriz y directora feminista Wang Ping, recibió el encargo del gobierno de realizar “El Este es rojo” para celebrar el decimoquinto aniversario de la Revolución China y expresar audiovisualmente la historia moderna del país desde la perspectiva del partido comunista.
 |
| Jiang Qing |
En 1971, Jiang Qing, actriz y cuarta esposa de Mao, protagonizó en plena revolución cultural una nueva versión de “El destacamento rojo de mujeres”, de 1961, esa vez convertida en un ballet audiovisual.
Desde el término de la revolución cultural y sobre todo en la década de los noventa hubo un resurgir del cine chino.
Títulos significativos son “Días de sol” , de Jiang Wen, 1994. Un hombre adulto en los '90 recuerda sus andanzas de adolescente, junto a sus amigos, en los tiempos de la Revolución Cultural.
 |
| Zhang Yimou |
En "Oiu Ju, una mujer china" ", de Zhang Yimou, 1992, una mujer embarazada enfrenta la burocracia de la justicia china debido a un simple reclamo y en su cinta "Ni uno menos" , de 1999, cuenta la historia de una joven de 13 años , Wei Minzhi, que debe hacerse cargo de una pequeña escuela rural, mientras el maestro oficial se ausenta durante un mes para cuidar a su madre enferma.
 |
| Chen Kaige |
 |
| Tian Zhuangzhuang |
"La cometa azul", de Tian Zhuangzhuang, 1993, presenta tres momentos históricos de China, la Campaña de las Cien Flores (1956-1957), el Gran Salto Adelante (1958-1961) y la Revolución Cultural (1966-1976), vistos a través de los ojos de un niño y las tres figuras paternas sucesivas en su vida.
“La Diosa”
https://archive.org/details/thegoddess
“Hijos de la tormenta”, “Children of troubled times”
https://archive.org/details/childrenoftroubledtimes
“Primavera en un pueblo pequeño”
https://www.youtube.com/watch?v=T59AnZ6eabI
“El destacamento rojo de mujeres”
https://www.youtube.com/watch?v=8-Y8ABYM_4w
“El este es rojo”
https://archive.org/details/The_East_is_Red
“Qiu Ju, una mujer china”,
https://asian-movies-online.com/comedy/the-story-of-qiu-ju
“Adiós a mi concubina”
https://www.youtube.com/watch?v=No4ALLfud-c
“La cometa azul”
https://www.fulltv.com.ar/peliculas/la-cometa-azul.html
“Ni uno menos”
https://sw-ke.facebook.com/MVConectadosEDU/videos/pel%C3%ADcula-ni-uno-menossubtitulado-en-espa%C3%B1ol/2549735795071149/
Pier Paolo Pasolini y Bernardo Bertolucci, llevan el neorrealismo italiano a un grado de mayor profundidad estética.
 |
| Pasolini |
El impulso del neorrealismo, abrió paso a directores que llevaron al relato audiovisual, la radicalización de la dialéctica política y cultural italiana y mundial durante los años 60 y 70.
Pier Paolo Pasolini, un hombre dotado habilidades artísticas en múltiples disciplinas como poesía, dramaturgia y pintura, cultivó su intelecto en la Universidad de Bolonia.
Desde 1947 manifestó su simpatía por el partido comunista italiano y sin embargo en 1949 fue expulsado de su filas a causa de su homosexualidad.
Sus películas, suelen visitar la mitología y la literatura clásica, abordando sus connotaciones sexuales.
En “El Evangelio según San Mateo” rescató a Jesús como un redentor de los pobres, volcando su cámara hacia pueblos italianos que en pleno siglo XX mantenían la arquitectura y la sencillez de la Galilea del siglo I.
Bernardo Bartolucci, cineasta y escritor, ayudante de Pasolini en Accattone, emprendió un cine militante, aplicando el materialismo histórico al cine.
En “El conformista”, de 1970, basado en una novela de Alberto Moravia, nos presenta una reseña del fascismo y de la manera en que seduce y castiga a sus colaboradores.
En “El último tango en Paris”, de 1972, hace explícito que el romance entre personas de distintas clases sociales sólo puede concretarse en un espacio desarraigado de la sociedad.
En “Novecento”, de 1976, hace una semblanza de la organización campesina y su choque con el fascismo.
En “El último emperador”, de 1982, nos muestra como una persona es víctima de su contexto histórico y de su posición en la sociedad.
“Accatonne”, Pasolini
https://www.dailymotion.com/video/x28nqfl
“Decameron”, Pasolini
https://www.youtube.com/watch?v=_mwtY4ZK5zA
“El Evangelio según san Mateo”, Pasolini
https://www.youtube.com/watch?v=T8CCZUNf8a8
“Medea”, Pasolini
https://www.youtube.com/watch?v=uZYy493Hrd8
“El último tango en París”, Bertolucci
https://archive.org/details/last_tango_in_paris_1972___587b068215677
“Novecento”, Bertolucci
Primera Parte
https://gloria.tv/post/4tfhVDRBL69V2bqVWSNbieX3B
Segunda Parte
https://gloria.tv/post/JLGki8u4T8wK1tDg49D2vKQbP
De la ”nouvelle vague” francesa al Nuevo Cine Latinoamericano.
Si el neorrealismo italiano surgió sobre la base de las instalaciones de “Cinecittá”, la nueva ola francesa emerge desde la tinta y las reflexiones de una revista mítica para la filmografía, a saber, “Cahiers du Cinéma”.
Sus colaboradores, fundamentalmente cinéfilos y guionistas, emprendieron una crítica feroz en contra del cine industrial, enfocado en el entretenimiento y el éxito económico, y propusieron un cine de autor, en que el director escribiera con su cámara, enfatizando la subjetividad de su mirada.
Para dirigir sus películas, los integrantes de la nueva ola adoptaron como inspiradores a Orson Welles y a Alfred Hitshcock.
Obras esenciales de este movimiento son “Los 400 golpes”, de François Truffaut, “Hiroshima mon amour”, de Alain Resnais, y “Orfeo Negro” , de Marcel Camus, todas de 1959.
Si sumamos a la labor de los autores invocados, el trabajo de Agnès Varda, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer y Claude Chabrol, notaremos que la nueva ola francesa adquirió una impronta de calidad e influencia que hasta ahora repercute en la cinematografía mundial.
Era el hombre común, ya enamorado del cine, que filmaba con sus amigos en las calles, al margen de los estudios industriales.
En Brasil hubo un fenómeno paralelo y enlazado al francés denominado “Cinema Novo”. Aquí resulta fundamental “Dios y el Diablo en la tierra del sol”, 1964, de Glauber Rocha.
En Cuba, el impacto de la nueva ola tuvo especial relevancia porque se sumó al vértigo de la revolución, que Tomás Gutiérrez Alea y Humberto Solás supieron expresar con “Memorias del Subdesarrollo” y “Lucía” , ambas de 1968.
El “Chacal de Nahueltoro”, de Miguel Littin, “Tres Tristes Tigres”, de Raúl Ruiz y “Valparaíso mi amor”, de Aldo Francia, filmadas entre 1968 y 1969 con la misma cámara, son tributarios directos de la nueva ola francesa.
En Argentina, el ideario del cine de autor llegó a tierra fértil, porque la densidad cultural de las universidades y la literatura rioplatense, sumada al apoyo estatal instalado por Perón en imitación de Mussolini, permitió que el cine argentino goce de una impronta y trayectoria propia, al punto que Gardel, Santos Discépolo, Campanella y Darín son figuras incorporadas con fuerza al imaginario universal.
En 1960, Fernando Birri, filmó Tire Dié, mostrando los niños de las ranchadas de Santa Fe y su rito de perseguir los trenes para obtener de regalo alguna moneda, marcando el punto de partida del “Nuevo Cine Latinoamericano”
En general, se habla del “Nuevo Cine Latinoamericano”, porque todos los directores de los años 60 compartieron sus experiencias y se reunieron en eventos tan significativos como el Festival de Cine de Viña del Mar. Mi amiga Marcia Orell García, escribió un magnífico libro sobre este resplandor de la cultura indo-ibérica.
Una línea común en el nuevo cine es su valoración de la niñez, tan palpable en “Tire Dié”, “Los 400 golpes” y “Valparaíso mi amor”.
“Los 400 golpes”, Truffaut
https://es-la.facebook.com/Revista-Acontecimiento-1109906549048928/videos/compartimos-los-400-golpes-de-truffaut-y-la-mirada-de-antoine-doinel-frente-a-la/1122716744794159/
“Hiroshima mon amour”, Resnais
https://www.youtube.com/watch?v=YBrv4CnozAg
« Orfeo negro », Camus
https://archive.org/details/orpheus.-1950-vose
« Vivir su vida », Goddard
https://archive.org/details/VivirSuVidaJeanLucGodardAngeeParaZoowoman.website
« Cleo de 5 a 7 », Varda
https://ok.ru/video/2904020224657
« La fleur du mal», Chabrol
https://archive.org/details/la-fleur-du-mal-claude-chabrol-2003
“La coleccionista », Rohmer
https://archive.org/details/la-coleccionista-1967-eric-rohmer-subt.-espanol
“Paris nous appartient”, Rivette
https://www.youtube.com/watch?v=17ova2H68Hg
« Tire dié »
https://www.youtube.com/watch?v=vLQCmwwjxvw
« Dios y el Diablo en la Tierra del Sol”
https://www.youtube.com/watch?v=yax2nV8YtR4
“Valparaíso mi amor”
https://www.cclm.cl/cineteca-online/valparaiso-mi-amor/
“El Chacal de Nahueltoro”
https://www.youtube.com/watch?v=kdBOHHYcfAo´
“Tres tristes tigres”
https://www.youtube.com/watch?v=kA5KYN4ep0E
“Lucía”
https://www.youtube.com/watch?v=OUi-FX6CwiI
“Memorias del subdesarrollo”
https://www.youtube.com/watch?v=1vLXRahu994
Entrevista de Francois Truffaut a Alfred Hitchcock sobre Vértigo
https://www.youtube.com/watch?v=zLAZSzKnvgE
El nuevo cine estadounidense
Ritt Cassavetes
El correlato de la nueva ola francesa en los Estados Unidos se llamó nuevo cine estadounidense, e implicó el uso privilegiado de escenarios reales, la interpretación improvisada de los actores y la inclusión de temas sociales
Sus principales exponentes fueron los actores Martin Ritt, largamente incluido en las listas negras anticomunistas y John Cassavetes.
Ritt su película “Edge of the City”, “Donde la ciudad termina”, de 1957, brega contra el racismo, la corrupción y la opresión gubernamental. Cassavates y Sidney Poitier interpretan los roles principales.
Entre 1958 y 1959, al mismo tiempo que “Los 400 Golpes”, “Hiroshima mon amour” y “Orfeo Negro”, Cassavates, filmó en 16 mm y con actores amateurs, “Shadows”, que presenta la vida de tres hermanos afrodescendientes en Nueva York. La película no tuvo mayor acogida en los Estados Unidos, pero tras ser galardonada en el festival de Venecia, fue ampliamente distribuida en Europa.
En 1960 apareció el manifiesto fundacional de este movimiento. En él condenan el cine comercial: “El cine oficial en todo el mundo está acabado. Es moralmente corrupto, estéticamente obsoleto, temáticamente superficial, temperamentalmente aburrido”. Para luchar contra ello se proponen crear instituciones de apoyo para dar salida a sus películas, que de otra manera no habrían podido acceder a los circuitos comerciales, y renuncian a la exclusividad en la distribución, que quedaría al arbitrio de cada artista. También rechazan la condición “aurática” de los artistas, es decir, aquella que propone que ellos (los artistas) son unos genios o seres inspirados que se encuentran por encima de los demás.
“Edge of the city”, Ritt
https://www.youtube.com/watch?v=GDR9P2hwVL0
« Shadows », Cassavetes
https://www.youtube.com/watch?v=vPGM3nH0_2Y
Ingmar Bergman
Fue en Suecia donde el ideario del cine de autor encontró uno de sus más connotados exponentes.
Ingmar Bergman logró liberarse del peso dogmático de la religiosidad impuesta por su padre un importante pastor luterano.
Pero sólo fue una liberación parcial, porque toda su vida conversó y combatió con sus fantasmas de infancia.
En su obra, logró filmar los trastornos del ánimo y los trastornos de la conducta.
Llama la atención su interés por los ritos y el simbolismo, que le llevaron a las ceremonias universitarias, los templarios y el universo de la Flauta Mágica.
“Sonrisas de una noche de verano”
https://archive.org/details/BergmanSonrisasDeUnaNocheDeVerano_201610
“Fresas salvajes”
https://www.youtube.com/watch?v=nHL7wH_Envg
“Como en un espejo”
https://www.youtube.com/watch?v=qfhVhuxkUIw
“Los comulgantes”
https://www.youtube.com/watch?v=AIBKz6RfkgI
“Persona”
https://www.youtube.com/watch?v=9ZsxtCZQtcc
“El séptimo sello”
https://www.youtube.com/watch?v=9Gs6WkrDhdM
“La hora del lobo”
https://www.youtube.com/watch?v=snzK9WNpuVE
“De la vida de las marionetas”
https://www.youtube.com/watch?v=AXEZxCMiLoo
“El huevo de la serpiente”
https://youtu.be/f77J1Owq70M
“Fanny y Alexander”
https://www.youtube.com/watch?v=GEFKXTAkVB0
“La flauta mágica”
https://www.youtube.com/watch?v=ufQxByt7dNM
Andréi Tarkovski, el escultor del tiempo
Andréi falleció en 1986 a los 54 años, tras dirigir 7 películas, casarse dos veces, tornarse violinista y huir de las asfixiantes imposiciones y atropellos de las autoridades soviéticas.
Sobre el cine escribió el libro “Esculpir el tiempo” publicado en 1985 en Alemania Occidental, que tiene una segunda edición de 1988, que comprende el análisis de su última película “El Sacrificio”. Afortunadamente, gracias a la magia de internet, puedo compartir el texto contigo.
Su cine es filosófico e intimista, por lo que privilegia conmover, sugerir o motivar al espectador antes que simplemente entretenerlo.
“Andrei Rublev”
https://www.youtube.com/watch?v=nbiRQU-yo04
“La infancia de Iván”
https://web.facebook.com/IntegracionEstudiantil.IE/videos/la-infancia-de-iv%C3%A1n-subtitulada/216483063095781/?_rdc=1&_rdr
« El espejo »
https://web.facebook.com/cinemastudiointernational/videos/the-mirror-1975-sub-espa%C3%B1ol/1037134019808004/?_rdc=1&_rdr
“Nostalghia”
https://www.youtube.com/watch?v=-gH1cprEg0w
“Solaris”
https://www.youtube.com/watch?v=7qKin46KpMY
“Offret”, “El Sacrificio”
https://www.youtube.com/watch?v=ivTODosMeOQ
« Stalker »
https://www.youtube.com/watch?v=Q3hBLv-HLEc
El texto de « Esculpir el tiempo”
https://elcinesigno.files.wordpress.com/2011/07/tarkovsky-andrei-esculpir-en-el-tiempo.pdf
Chantal Akerman asienta el feminismo en las cimas del cine
Ingmar Bergman logró liberarse del peso dogmático de la religiosidad impuesta por su padre un importante pastor luterano.
Pero sólo fue una liberación parcial, porque toda su vida conversó y combatió con sus fantasmas de infancia.
En su obra, logró filmar los trastornos del ánimo y los trastornos de la conducta.
Llama la atención su interés por los ritos y el simbolismo, que le llevaron a las ceremonias universitarias, los templarios y el universo de la Flauta Mágica.
“Sonrisas de una noche de verano”
https://archive.org/details/BergmanSonrisasDeUnaNocheDeVerano_201610
“Fresas salvajes”
https://www.youtube.com/watch?v=nHL7wH_Envg
“Como en un espejo”
https://www.youtube.com/watch?v=qfhVhuxkUIw
“Los comulgantes”
https://www.youtube.com/watch?v=AIBKz6RfkgI
“Persona”
https://www.youtube.com/watch?v=9ZsxtCZQtcc
“El séptimo sello”
https://www.youtube.com/watch?v=9Gs6WkrDhdM
“La hora del lobo”
https://www.youtube.com/watch?v=snzK9WNpuVE
“De la vida de las marionetas”
https://www.youtube.com/watch?v=AXEZxCMiLoo
“El huevo de la serpiente”
https://youtu.be/f77J1Owq70M
“Fanny y Alexander”
https://www.youtube.com/watch?v=GEFKXTAkVB0
“La flauta mágica”
https://www.youtube.com/watch?v=ufQxByt7dNM
Andréi Tarkovski, el escultor del tiempo
Andréi falleció en 1986 a los 54 años, tras dirigir 7 películas, casarse dos veces, tornarse violinista y huir de las asfixiantes imposiciones y atropellos de las autoridades soviéticas.
Sobre el cine escribió el libro “Esculpir el tiempo” publicado en 1985 en Alemania Occidental, que tiene una segunda edición de 1988, que comprende el análisis de su última película “El Sacrificio”. Afortunadamente, gracias a la magia de internet, puedo compartir el texto contigo.
Su cine es filosófico e intimista, por lo que privilegia conmover, sugerir o motivar al espectador antes que simplemente entretenerlo.
“Andrei Rublev”
https://www.youtube.com/watch?v=nbiRQU-yo04
“La infancia de Iván”
https://web.facebook.com/IntegracionEstudiantil.IE/videos/la-infancia-de-iv%C3%A1n-subtitulada/216483063095781/?_rdc=1&_rdr
« El espejo »
https://web.facebook.com/cinemastudiointernational/videos/the-mirror-1975-sub-espa%C3%B1ol/1037134019808004/?_rdc=1&_rdr
“Nostalghia”
https://www.youtube.com/watch?v=-gH1cprEg0w
“Solaris”
https://www.youtube.com/watch?v=7qKin46KpMY
“Offret”, “El Sacrificio”
https://www.youtube.com/watch?v=ivTODosMeOQ
« Stalker »
https://www.youtube.com/watch?v=Q3hBLv-HLEc
El texto de « Esculpir el tiempo”
https://elcinesigno.files.wordpress.com/2011/07/tarkovsky-andrei-esculpir-en-el-tiempo.pdf
Chantal Akerman asienta el feminismo en las cimas del cine
Chantal Akerman, nacida en Bélgica, inscrita con su propio estilo en la línea del cine autor, siguió la senda abierta por numerosas precursoras , entre ellas, Mabel Normand, que escribió, dirigió y protagonizó algunos de los primeros títulos de Chaplin, Wang Ping, de China, y Agnès Varda, de dilatada carrera inscrita en la nueva ola francesa, el feminismo y el realismo social, cuya obra más celebrada es “Cleo de 5 a 7”, en que registra dos horas trascendentales en la vida de una parisina.
Las obra más reconocida de Chantal es Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles, de 1975, elogiada por el New York Times como "la primera obra maestra del feminismo en la historia del cine"; trata de momentos intimistas en las rutinas de una eficiente ama de casa que se ve obligada a prostituirse para poder vivir con su hijo.
Como nieta de abuelos asesinados en Auschwitz y de una madre que por milagro salió de ese infierno, las vivencias del pueblo hebreo están presentes en su trabajo, siempre desde la independencia crítica y el humanismo.
Su narración fílmica se caracteriza por el constante uso de las elipsis, la técnica en cuya virtud el paso de una imagen a otra permite entender lo que ocurrió entretanto.
La más célebre elipsis cinematográfica es la de “2001: Odisea del Espacio”, de 1968, dirigida por Stanley Kubrick, en que un primate explora el uso de un hueso como herramienta y luego la lanza al aire, surgiendo en pantalla una nave espacial.
“Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles”
https://archive.org/details/jeanne-dielman-23-quai-du-commerce-1080-bruxelles-akerman
« Je, tul il elle”
https://archive.org/details/je-tul-il-elle
“Les Rendez Vous D' Anna”
https://archive.org/details/les-rendez-vous-d-anna
España y el traspié de la luz
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Buñuel Almodóvar
España ingresó al Siglo XX con su Imperio destruido, sin lograr consolidar la democracia, sin instaurar la tolerancia religiosa, sufriendo una situación social explosiva, en el marco de una Europa asediada por las guerras.
La contienda civil de 1936, prólogo de la II Guerra Mundial, fue la concreción bélica de esa crisis y se definió en contra de la libertad.
La extensa dictadura de Franco, asfixió por casi cuarenta años la democracia y la tolerancia, pero no consiguió lo mismo con el arte, que siguió alimentando el espíritu de España.
El cine de Buñuel y de Almodóvar es la expresión audiovisual de la mencionada crisis hispánica , en su noche y en su amanecer.
“El ángel exterminador”, Buñuel
https://archive.org/details/elangelexterminadorluisbunuel
“Vidriana”, Buñuel
https://archive.org/details/viridiana_202108
“Historias de Vida”, Buñuel
https://archive.org/details/podcast_historias-de-vida_luis-bunuel_1000312228387
"Los olvidados", Buñuel
https://archive.org/details/LosOlvidadosLuisBunuel1950Spanish
“Entrevista a Pedro Almodóvar”
https://www.youtube.com/watch?v=TrtRezVLdBE
Las cámaras aman algunos lugares
“Entrevista a Pedro Almodóvar”
https://www.youtube.com/watch?v=TrtRezVLdBE
Las cámaras aman algunos lugares
 |
| "Manhattan", Nueva York, Woody Allen |
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| Valle de los Monumentos |
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| "Valparaíso mi amor", Valparaíso, Aldo Francia |
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| "El tercer hombre", Viena, Carol Reed |
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| "Vértigo" , San Francisco, Alfred Hitchcock |
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| "Un amor en Florencia", Florencia, James Ivory |
Las cámaras aman algunos lugares. Ciertamente “Nueva York”, “El valle de los monumentos”, que figura en decenas de cintas, “San Francisco”, “Florencia”, “Valparaíso”, “Roma”, “Viena”, “Paris”, las mansiones inglesas, “Rio de Janeiro” y Valparaíso.
Hago este quiebre para mencionar “A room with a view”, “Un amor en Florencia”, film británico de 1985, dirigido por el californiano James Ivory.
La cinta muestra el romance en dos turísticas ingleses, diversas clases sociales, que cruzan sus vidas en el marco de la belleza de Florencia.
Algo nos sigue llevando una y otra vez a la ciudad de Dante, Leonardo, Miguel Ángel, Botticelli y Cellini.
“Una habitación con vistas”, Ivory
https://www.gloria.tv/post/EY4pikivfmHn3f41wUhb4FF1j
Cine iniciático
Existe una literatura iniciática, con “La Odisea”, “La Comedia”, “La Tempestad” y “El Principito” como ejemplos, que abordan el viaje, las purificaciones y pruebas que debe sobrellevar el ser humano para obtener su autorrealización; la unión de las virtudes femeninas y masculinas ; la colaboración entre el pensamiento y el inconsciente - "boda alquímica" - ; y la construcción de una sociedad en que todos los seres se traten como hermanos.
En el campo de la música son ejemplos “La Flauta Mágica”, de Mozart, que aborda directamente una iniciación de corte masónico; las sinfonías Cuarta, Quinta y Novena, de Beethoven, que atañen a los peligros del sendero, el encuentro con la muerte y el triunfo de la alegría; “La Fuerza del Destino”, de Verdi, enfocada en la autorrealización que no logra perfeccionarse; “Turandot”, de Puccini, que se hace cargo de una boda alquímica y, en el campo del jazz, “A Love Supreme”, de Coltrane, centrada en los trabajos que llevan a la unión con el Supremo Amor y la plenitud de ese Amor, de esa iluminación.
Como era de esperarse, en el cine se produce un fenómeno parecido. Así, la cinta, “El Mago de Oz”, de Victor Fleming, está basada en el libro del mismo nombre del escritor rosacruz L. Frank Baum, presenta el paso de un plano a otro y el perfeccionamiento a través de la virtud; “La Guerra de las Galaxias”, de George Lucas, que reconoce su inspiración en la obra de Joseph Campbell, mitógrafo experto en el rol del héroe; “El séptimo sello”; en que un caballero templario se enfrenta a la muerte; “Horizontes perdidos”, de Capra y Riskin, sobre la construcción de una sociedad utópica; y, “The Matrix”, de las hermanas transgénero Lana y Lilly Wachowski, con su intricado simbolismo acerca del libre pensamiento.
Otras películas acentuadamente iniciáticas son " La Bella y La Bestia" y "Orfeo", de Jean Cocteau, que abordan la boda alquímica , la eternidad del Amor Supremo y las puertas hacia la vida de ultratumba.
Ahora, numerosas figuras de la industria del cine han formado parte de logias francmasónicas como los Cecil B. de Mille, iniciado en la logia Prince of Orange nº 16, de Nueva York, William Wyler, integrante de la Loyalty Lodge No. 529, de California , Frank Capra y Billy Wilder, mencionados por varias Grandes Logias norteamericanas e; importantes actores como Douglas Fairbanks, iniciado en la logia Beverly Hills nº 528 de California; Glenn Ford, miembro de la logia Palisades nº 637 de California; Oliver Hardy, iniciado éste en la logia Solomon nº 20 de Jacksonville, Florida; Clark Gable, iniciado en la logia Beverly Hills nº 528 de California; Harold Lloyd, integrante del R.L. Alexander Hamilton nº 535 de California; Harpo Marx, afiliado en la la R.L. Algonquin Round Table de Nueva York; John Wayne, que fue Maestro de la R.L. Marion McDaniel nº 56 en Tucson, Arizona; Peter Sellers, Maestro en la R.L. Chelsea nº 3098 de Londres; Mario Moreno, “Cantinflas”, iniciado en 1948 en la logia “Chilam Balam” de Ciudad de México; y Josephine Baker, actriz, bailarina y cantante, iniciada en la Gran Logia Femenina de Francia.
Ahora, numerosas figuras de la industria del cine han formado parte de logias francmasónicas como los Cecil B. de Mille, iniciado en la logia Prince of Orange nº 16, de Nueva York, William Wyler, integrante de la Loyalty Lodge No. 529, de California , Frank Capra y Billy Wilder, mencionados por varias Grandes Logias norteamericanas e; importantes actores como Douglas Fairbanks, iniciado en la logia Beverly Hills nº 528 de California; Glenn Ford, miembro de la logia Palisades nº 637 de California; Oliver Hardy, iniciado éste en la logia Solomon nº 20 de Jacksonville, Florida; Clark Gable, iniciado en la logia Beverly Hills nº 528 de California; Harold Lloyd, integrante del R.L. Alexander Hamilton nº 535 de California; Harpo Marx, afiliado en la la R.L. Algonquin Round Table de Nueva York; John Wayne, que fue Maestro de la R.L. Marion McDaniel nº 56 en Tucson, Arizona; Peter Sellers, Maestro en la R.L. Chelsea nº 3098 de Londres; Mario Moreno, “Cantinflas”, iniciado en 1948 en la logia “Chilam Balam” de Ciudad de México; y Josephine Baker, actriz, bailarina y cantante, iniciada en la Gran Logia Femenina de Francia.
El Mago de Oz, dirigida por Fleming tras varias sustituciones.
https://archive.org/details/elmagodeoz.1925.subtitulada
En Persia vuelve a florecer el cine. Abbas Kaiarostamí y Marjane Satrapi
Irán es un país milenario que ha sabido imbuir de filosofía y resistencia cultural a su cine.
Allí, el cine de autor iniciado hacia 1960, tras una vasta experiencia en la creación comercial, alzó su valor sobreponiéndose al despotismo del Sha, la revolución islámica, su vigilancia cultural, las restricciones al trato con occidente, y, la cruenta guerra con Irak.
De entre sus múltiples y talentosos directores, quiero referirme a Abbas Kaiarostamí, 1940-2016 y Marjane Satrapi, nacida en 1969.
Abbas Kaiarostamí solía instalar la cámara al interior de su vehículo para recorrer su país y mostrar los lenguajes, pensamientos, y creencias de su gente.
Sus obras más aclamadas son “Close-Up”, de 1990, “El sabor de las cerezas”, de 1997, “El viento nos llevará”, de 1999, “Copia certificada”, de 2010 y “Like Someone in Love”, de 2012.
Marjane Satrapi pasó de la novela gráfica al cine de animación para revelar el poder, la valentía e imaginación de las mujeres laicas de Persia. Su obra fundamental es Persépolis, de 2007.
Jean Luc Goddard señaló “El cine comienza con Griffith y termina con Abbas Kiarostami”, había olvidado a Marjane Satrapi.
“Close up”
https://www.youtube.com/watch?v=sSynUYdf4Lg
“El sabor de las cerezas”
https://archive.org/details/ElSaborDeLasCerezas1997
“El viento nos llevará”
https://www.youtube.com/watch?v=KosymRNQM-g
“Like someone in love”
https://archive.org/details/like-someone-in-love-2012
“Copia certificada”
https://archive.org/details/CopiaCertificada
“Persépolis”
https://archive.org/details/774r318
Epílogo
En estas letras, abandoné el desarrollo del Cine en Estados Unidos tras reseñar a Howard Hawks y Willy Wilder.
Tampoco me referí a los autores y atoras último medio siglo norteamericano como Stanley Kubrick, Francis Ford Coppola, George Lucas, Steven Spielberg, David Lynch, Woody Allen, los hermanos John y Ethan Cohen, Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Paul Thomas Anderson, David Lynch, Martin Scorsese, Oliver Stone, Spike Lee, James Ivory, Sofía Coppola, ni de la galardonada Kathryn Bigelow.
No logré ocuparme del polaco francés, Roman Polanski, ni del canadiense James Cameron, ni del mexicano Alfonso Cuarón, ni del chileno Sebastián Lelio, ni de la neozelandesa Jane Campion, reciente ganadora del Oscar a la mejor dirección por “El poder del perro”
No he tenido tiempo ni conocimientos para hablar del cine inglés salvo breves letras sobre el imprescindible Albert Hitchcock, omitiendo “Los Carros de Fuego”, de Hugh Hudson y todo el sorprendente realismo social y el fervor por el drama policial de los británicos.
No logré referirme al cine danés, el portugués, el mexicano , el australiano, el peruano, el colombiano y el coreano, entre otros, que también tienen su propia impronta.
Obviamente este trabajo es insuficiente, pero sirve como guía introductoria, notas para el paseo de un turista a través del vasto y complejo laberinto de la imagen y el sonido en movimiento.
F I N
